Alexis Georgacopoulos, Directeur
ARTS VISUELS
par Fanny Dunning
penser à des sculptures dans un grand jardin, sur des hectares de terrain surgissant comme des collines mais des collines avec des couronnes à cornes ici, la fonction suit la forme. elle a construit ceci comme une sculpture. puis elle a installé ses miroirs. penser à des sculptures dans un grand jardin des gens qui invitent des artistes à venir et à rester
ARTS VISUELS
par Ali Chatila
Mon projet de diplôme se compose de quatre planches en bois de 90 x 200 cm. Au total, huit faces sur lesquelles je peins depuis plus de deux ans. Je peins principalement pour le plaisir de peindre en me focalisant sur l’instant présent. Au terme de l’exposition, je reprendrai mon travail sur ces quatre planches. Elles ne sont donc pas terminées et ne le seront peut-être jamais. Le titre de l’œuvre annonce l’arrêt temporaire. Je n’ai pas de technique particulière, je peins avec ce que je trouve. Mes quatre planches ont été récupérées dans une benne à ordure et la majorité du matériel que j’utilise était destiné à être jeté. Pour mon installation, mes peintures sont accrochées au mur, ne révélant que quatre des huit faces.
ARTS VISUELS
par Yann Fankhauser
Ce projet est une impression sur bâche en PVC (2500 mm x 1200 mm) de 18 silhouettes dans des cases formant un damier noir et blanc. Le développement du projet s’est fait à partir de croquis faits main puis numérisés avec le programme Illustrator et disposés en damier. Ces croquis de silhouettes ont été réalisés par divers procédés : 1) en modifiant une silhouette initiale pour en créer une nouvelle ; 2) en juxtaposant plusieurs silhouettes entre elles ; et 3) en illustrant un nouvel angle d’une silhouette déjà créée. Le concept reprend l’idée de drapeau d’arrivée de course automobile, le dérivant en un cheminement sans fin, jouant sur la frontière entre le figuratif et l’abstrait à l’image d’une paréidolie.
ARTS VISUELS
par Clément Grimm
Aucun accessoire sinistre n’ajoute une signification banale. Aucun détail de mélodrame ne vient usurper un rôle facile. Il a suffi au peintre d’interpréter en son style sobre et magistral l’énergie des figures, leur expression, leurs attitudes et leurs gestes.
ARTS VISUELS
par Tianchang Gu
Le titre de mon travail de diplôme vient du jeu vidéo du même nom et est la suite de mon mémoire Renens Palace, une autofiction basée sur un futur monde dystopique. Dans cette fiction, le « moi », ancien immigré en Europe, devient un contrôleur d’immigrés. Comment transformer l’écriture en performance ? L’observé devient l’observateur. L’ancien opprimé intègre le système et devient un clou de l’autorité. Les gestes bureaucratiques deviennent une chorégraphie. Les documents officiels deviennent poèmes. Les motifs administratifs, symboles de pouvoir, se transforment en une esthétique plastique. Ce sont des questions auxquelles je réfléchis lors de cette création. Tous ces éléments, étrangement romantisés et en même temps très anxiogènes, évoquent une réalité à laquelle on ne veut pas toujours faire face.
ARTS VISUELS
par Laura Hagmann
J’ai eu un flash-back de quelque chose qui n’a jamais existé.
ARTS VISUELS
par Mathilde Hansen
Pourriez-vous prendre une photo de moi comme ça ? Là où je suis, ici ? De l’autre côté ? C’est mieux comme ça ? J’ai l’air cool ? Plus sérieuse ou plus souriante ? Plus sérieuse, ok Génial.
ARTS VISUELS
par Mariana Isler
El amor real, fluido y escurridizo se revela en la madeja de la ciudad, circulando por las venas invisibles de los seres. Installation, panneaux alvéolaires en polycarbonate, peinture acrylique.
ARTS VISUELS
par Noemi Leneman
« Lolita » est un opéra ballet filmé dont le personnage principal est une danseuse du nom de Lolita. Afin de se plier aux regards, au désir et aux projections de son élu, elle va essayer d’interpréter plusieurs rôles. Tantôt ballerine, puis bergère et enfin cantatrice. Cette vidéo détourne et joue des codes esthétiques de la représentation traditionnelle de la scène. Afin de me plier à une forme de réalité de ce que vivent les petits rats, j’ai commencé, avec Eva Galmel, à apprendre à monter sur pointes. Autour de ce projet, toute une équipe de jeunes filles artistes de mon entourage s’est formée, collaborant durant plusieurs mois, essayant de tendre au mieux à un female gaze. Chorégraphes : Philomène Jander et Eva Galmel Scénographie : Salomé Engel Costumes : Adèle Berson et Roxane Sauvage.
ARTS VISUELS
par Nolan Lucidi
J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts.
ARTS VISUELS
par Axel Mattart
Il ne cligne même pas des yeux. Principalement parce qu’il ne peut pas. VOUS êtes sur son dernier nerf optique !
ARTS VISUELS
par Lylou Müller
Ce travail convoque des réflexions autour des concepts de sécurité, d’isolement et de protection. Le voile tressé à la façon d’une armure en cotte de mailles invite à repenser l’espace de la chambre, l’espace de l’intime, dans un contexte de violence.
ARTS VISUELS
par Shkelqim Qestaj
Le ciel manque d’ailes. Nous cherchons encore ces places. Celles pour s’aimer et s’enlacer. Confort moderne. Au matin sans étoiles, tu m’amènes des roses, je te renvoie avec des épines. Corps et âme périmés. On ne lâche jamais l’ombre pour la proie. L’équilibre est notre loi. On part pour explorer ce qui se trouve derrière le mur. On peut marcher sans danger sur une corde raide. Danser sans choir dans le vide. Ce vide affreux, c’est sûrement ton indifférence. Conseil non avenu Sur la grande place de ma conscience, J’ai drifté. Dans ce cercle infini Un cirque d’amour, dans lequel je me suis perdu.
ARTS VISUELS
par Lou-Anna Ulloa del Rio
« Je pense que l’objectif de l’installation artistique devrait être de créer une expérience entre les objets afin que les spectateur·ice·s soient transporté·e·s hors d’elleux-mêmes pour reconnaître un monde plus vaste et plus complexe. » – Julie Becker
ARTS VISUELS
par Florentina Walser
Il y a pas mal d’ambiguïté entre la véritable idéation du PORTRAIT et le jeu imaginatif / de rôle, presque un jeu de déguisement – déguisement AU SENS LE PLUS LARGE DU TERME, l’idée de se regarder d’un point de vue extérieur. Cela me fait me demander qui ou quoi est réellement COMPOSÉ ici : s’agit-il vraiment de l’ORDRE DES CHOSES (ou d’une VERSION sociale, politique, visuelle, formelle, physique, scientifique de l’imitation), comme on pourrait facilement le conclure ? S’agit-il d’un plaisir de proxy pour quelqu’un – ou plutôt pour quelque chose – d’autre ? Ou est-ce que le désir d’imaginer lui-même est une émotion / activité par proxy… ? Ce qui suit est un ballet de violence parfaitement chorégraphié, car comme nous le savons, parler du Camp, c’est le trahir. Et cela, il faut le respecter !
ARTS VISUELS
par Ysé Willemin
(Ah, ah-ah, ah-ah) (Ah-ah, ah-ah-ah-ah) (ah-ah) (Ah, ah, ah-ah) Parce que quand l’amour n’est plus là Il y a toujours la justice Et quand la justice n’est plus là Il y a toujours la force Et quand la force disparaît Il y a toujours maman, hi maman (Ah, ah) (Ah, ah, ah-ah) Je n’ai pas le choix, je ne sais pas ce qu’il faut faire Alors tiens-moi, maman, dans tes longs bras Dans tes bras automatiques, tes bras électroniques Dans tes bras Alors tiens-moi, maman, dans tes longs bras Tes bras pétrochimiques, tes bras militaires Dans tes bras électroniques (Ah, ah-ah)
ARTS VISUELS
par Julie Wuhrmann
« Je suis gueïe, eh toi tu aïe guette aussie ? » Guillaume Dustan, “Queer”“, e.m@le, n°66, 1999 “Je suis gueïe, eh toi tu aïe guette aussie?” Guillaume Dustan, “Queer”, e.m@le, n°66, 1999
ARTS VISUELS
par Alix Bitz
Installation objets & lithographies Taille : environ 2 x 2 m À hauteur des yeux, une ligne blanche. Du vide. En levant le regard, une série d’autoportraits qui nous toisent. Des visages en transmutation. Un unique portrait ne saurait montrer l’étendue d’un être. Alors celui-ci se déploie avant d’exploser pour mieux réapparaître. En dessous, une collection d’objets, comme la déambulation d’une vie menée jusqu’à cet instant, qui se suspend. De têtes devenues objets, coulent les souvenirs. À travers cette mise en scène se brise la recherche d’un soi qui s’éloigne dès qu’on semble s’en approcher.
CINEMA
avec Agnès Godard
Mon travail de diplôme à l'ECAL a consisté à faire la photographie du film "Avant l'océan" écrit et réalisé par Ilan Dubi, étudiant en réalisation. Inspiré par le cinéma des frères Safdie et de John Cassavetes, ce film fut un véritable défi technique et créatif.
CINEMA
avec Agnès Godard
Infiniment déçu par son récent pèlerinage aux USA pour lequel il avait des attentes disproportionnées, Daniel, de retour en Suisse, reprend le cours de sa vie qu’il trouve bien morne et voit un jour apparaître devant lui un cowboy fantomatique qui lui confie une mission : voler une Chevy El Camino.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Daniel, de retour des USA, reçoit une mission d’un Cowboy fantomatique : voler une Chevy El Camino.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Joseph découvre que Félicie, sa fiancée, vient de tuer son oncle et est décidée à fuir. Un monde s’écroule pour le jeune couple.
CINEMA
avec Antoine Russbach
Avant d'être adapté en court-métrage, « Aire de Jeux » est mon projet de Bachelor : un scénario de long-métrage, une comédie satirique dans le monde du théâtre contemporain.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Mon travail de diplôme à consisté à être chef opérateur sur le film Les satellites ne tombent jamais du ciel que j’ai co-réalisé avec Matias Carlier, alumni de l’Ecal en cinéma promotion 2022.
CINEMA
avec Fanny Martin
Mon travail de diplôme en spécialisation son a été de faire la prise de son et le montage sonore du film Avant l’océan réalisé par Ilan Dubi.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Rose, jeune cinéaste en recherche d’emploi, décide d’entreprendre un stage de reconversion comme agricultrice. Un récit initiatique qui questionne notre relation à la terre, à l’art, au rôle du cinéaste en tant qu’observateur de notre monde.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Le temps d’une nuit troublante, Léon fugue pour rejoindre Olivia dans son périple vers l’océan.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Gilles Gavillet, Nicole Udry
Entre livre d’art et manuel de sciences, cette méta-encyclopédie évoque le danger lié aux phénomènes provoqué par le réchauffement climatique. Ces phénomènes sont des HYPER-OBJETS, dépassant les paradigmes habituels de l’ère Anthropocène. Ce système de cartes mentales conceptualise ces phénomènes complexes, à travers la lecture d’un langage simplifié. Dans le contexte de la crise écologique, la matérialisation de cette pensée permet de mesurer notre impact tout en réinterprétant de manière plus tangible le phénomène de la fin du monde. À travers cette archéologie visuelle, nous recherchons les traces de notre civilisation contemporaine en questionnant notre rapport au futur. En réalité, cet objet ne serait-il pas le témoin du mouvement destructeur de la fin du monde ?
DESIGN GRAPHIQUE
avec Nicole Udry, Jonathan Hares
Des études scientifiques récentes révèlent que les coraux de la mer Rouge sont plus résistants que la moyenne à la hausse des températures de l’eau. Cette région, refuge corallien unique sur terre, donne de grands espoirs aux scientifiques et leur permet d’analyser les facteurs de résistances des coraux, avant qu’ils ne finissent eux aussi par disparaître. « Red Sea Last Hope » combine des rapports scientifiques, des récits d’expédition et des archives géopolitiques, souhaitant ainsi avertir sur la disparition progressive des coraux, tout en mettant en évidence l’influence de la géopolitique de la mer Rouge, qui retarde les recherches.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Gilles Gavillet, Guy Meldem
« 606 » est un espace d’art itinérant et modulaire, construit de containers maritimes. Tous les trois mois, l’espace change d’emplacement et de disposition. « 606 » invite des artistes locaux à produire de nouveaux univers aux frontières de la technologie et du réel. « 606 » prend vie la nuit et présente son identité via des projections 360° en évolution constante, qui habillent et transforment la structure des containers. Les mêmes visuels se déclinent via des affiches animées présentées à travers la ville, qui créent une nouvelle lecture de l’information. « 606 » s’articule autour d’une communication développée simultanément en volume, en deux dimensions et en rythme.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Guy Meldem, Diego Bontognali
Il y a des millénaires de cela, l’humain découvrait l’électricité. Il ne cessa de l’exploiter, de la réinventer, sans se soucier, considérant cette ressource comme infinie. Cet ouvrage, « Les chemins perdus », ouvre de nouveaux horizons, entre rêve et fiction, à travers des notions réalistes et poétiques. Et si tout s’éteignait ? Il stimule l’imaginaire et offre aux lectrices et lecteurs une spéculation légère et enfantine. L’intérêt pour l’illustration, la narration et les techniques d’impression donne vie à ce conte graphique. Ce voyage de couleurs et d’images s’adresse à un public multigénérationnel, mettant à contribution le potentiel présent dans les livres pour enfants en ces temps de tension et de confusion.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Gilles Gavillet, Jonathan Hares
« Nativo+Latino » réinvente l’héritage et le syncrétisme du continent sud-américain. Longtemps modelées par l’évangélisation du peuple indigène, les conséquences de ce mélange identitaire témoignent d’une aliénation culturelle et religieuse des latinos. Progressivement, la prise de conscience sur la condition indigène pousse leur descendance à honorer et faire revivre leur culte. Ce projet est un lieu de rapprochement, de confrontation et d’expression personnelle des communautés latine qui revendique leur patrimoine jusqu’alors considéré comme des croyances païennes. « Nativo » se matérialise à travers des souvenirs ancestraux et un imaginaire collectif qui reflète une réinterprétation de la pratique du catholicisme en Amérique latine afin de remettre du pouvoir dans une vision identitaire hybride.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Aurèle Sack, Guy Meldem
« Baraonda » est un système ludique pour animer des activités créatives. L’atelier repose sur une roue de la fortune composée de plusieurs cercles qui déterminent les caractéristiques et les règles qui seront mises en place. Neuf étapes ont été conçues en partant du cercle le plus large jusqu’au plus étroit. On détermine un thème de travail, puis une technique, les différents matériaux, les couleurs, et ainsi de suite. En plus de la série de cercles, j’ai développé divers matériaux qui servent de support aux ateliers : des pochoirs en bois, une collection d’images et des lettres autocollantes. Le développement du projet et les résultats des activités menées dans des classes d’école primaire de Lausanne sont réunis dans une édition imprimée. Le tout est regroupé dans un coffret en carton toilé.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Gilles Gavillet, Diego Bontognali
Pratiquant le Krump, j’ai constaté le manque de contenu éditorial dédié à cette danse. Originaire des quartiers défavorisés de South Central à Los Angeles, dans les années 1990, le Krump est un moyen pour les danseurs d’exprimer leur colère, leur agressivité, leur frustration et leur douleur de manière positive. Cet ouvrage met en lumière l’esprit de cette danse à travers ses codes : son esprit communautaire, son vocabulaire, sa musique ou encore ses compétitions. En allant à la rencontre des actrices et acteurs de cette scène en Suisse, je souhaite offrir une perspective authentique de ce mouvement.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Jonathan Hares, Gilles Gavillet
« Helix » est un projet de vulgarisation scientifique, qui s’inspire de la thèse d’Isabella Maria Pasqualini, intitulée « Espace incarné dans l’architecture, les neurosciences cognitives et la réalité virtuelle », réalisée au département architecture de l’EPFL. Ce livre s’intéresse aux liens du corps humain entre architecture et neurosciences, offrant une interprétation et une appropriation de la thèse. Pour ce faire, le livre explore la représentation vectorielle des quatre chapitres, alternant avec des fragments photographiques illustrant l’intégration du corps humain dans l’architecture de l’ouvrage.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Nicole Udry, Aurèle Sack
Une fleur n’est pas juste une fleur, elle est tous les êtres vivants qui dépendent de sa floraison. Dans le cadre d’une biodiversité en crise, ce livre est une réponse au manifeste « Le troisième paysage » de Gilles Clément. Le paysagiste y fait appel à revaloriser les espaces qui longent les routes de nos villes. Entre sur-urbanisation et monoculture agricole excessive ces espaces marginaux oubliés sont recolonisés par une flore sauvage pionnière, régénératrice d’écosystèmes riche en biodiversité. Contrairement à l’herbier procédant par analyse fragmentaire, ce projet analyse les relations entre les êtres vivants. « Wild Tales » est un livre d’illustrations atmosphériques invitant à butiner entre les couleurs et les formes variées de cet espace ainsi que les histoires sauvages qui le composent.
DESIGN GRAPHIQUE
par Alice Villars
« Mirù » est une exploration de la transmission et de l’itinérance de la vie de ma mère à travers des objets interdépendants, robes et livre. Les vêtements disent beaucoup de quelqu’un. Plus qu’une simple apparence, ils sont un terrain propice à l’expression graphique et à l’expression de soi. J’ai créé cinq robes en utilisant un matériel d’archive. La composition des robes intègre des formes ornementales et des éléments graphiques, des photos. Chaque robe devient une adresse de la vie de ma mère, représente une ambiance particulière, donnant des indices sur son histoire. L’édition, quant à elle, crée une boucle entre les robes et le livre, un endroit où tout se rejoint. « Mirù » est une plongée dans l’histoire et les émotions d’une vie, transmises à travers les vêtements et les mots.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Aurèle Sack, Diego Bontognali
« Ici prochainement votre appartement », c’est le passage de la propriété privée à l’espace public. À la veille du déménagement de la maison familiale, mais surtout en regard de sa destruction prochaine, j’inscris La Maison dans un nouvel espace : le livre. Ce livre, plus qu’un monologue intime, est une invitation à entrer par le texte et par l’image. Du portail, au jardin, à la porte… pour terminer aux combles, là où se déploie la bibliothèque. Une iconographie, extraite de cette bibliothèque, impacte la mise en forme du volume entier. L’espace du livre est mon terrain de jeu. L’objet in-quarto dissimule la moitié du contenu entre les pages. C’est à la main du lecteur de décider s’il veut entrer ou non, dans chaque pièce de La Maison, lors de sa visite. Bienvenue chez moi. Bientôt chez vous…
DESIGN GRAPHIQUE
avec Gilles Gavillet, Nicole Udry
Chaque année, les membre du G7 se rassemblent pour un weekend préparé par l’un des états membres afin de discuter des affaires internationales. « Informal Pictures » est une investigation qui tente de recréer l’atmosphère de ces réunions où d’importantes décisions sont prises. Il s’agit d’une recherche autour de l’influence de la presse dans la construction d’un imaginaire collectif lors de ces évènement politiques. Pour se faire, le projet articule des sources journalistiques grand publique avec les outils du graphisme afin de recréer une image qui n’a jamais existé, une image manquante de ces diners politiques. Ces images informelles sont générées dans MidJourney, à partir du langage de ces journaux.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Diego Bontognali, Jonathan Hares
L’épilepsie photosensible est une variante de l’épilepsie dans laquelle la personne affectée produit des réactions particulières à la lumière et à certains motifs statiques. En raison d’un manque de sensibilisation à ce trouble, notre environnement contient un grand nombre de déclencheurs visuels qui mettent en danger la vie quotidienne d’une personne photosensible. Dans ce projet, je reproduis en réalité virtuelle les lieux et les éléments les plus nocifs pour une personne photosensible, en illustrant plusieurs de ces variantes. Étant à la fois graphiste et photosensible, j’ai voulu mettre en évidence la méconnaissance de cette maladie, qui conduit à l’exclusion visuelle. Celle-ci est menée par l’idée que je ne pourrai jamais voir mon projet dans sa forme complète.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Diego Bontognali, Nicole Udry
Marrakech, surnommée la « ville rouge », offre une atmosphère vibrante et des parfums enivrants. C’est une ville empreinte de contrastes, où les jeunes artistes émergent avec audace et une passion contagieuse. « +212 magazine » propose un voyage à la découverte de ces artistes et de leur univers. Ce travail réside dans l’échange, le dialogue et la collaboration avec tous les participants. Il s’agit de créer une connexion authentique, d’explorer les interconnexions entre les cultures et de témoigner de la beauté et de la diversité artistique qui émerge. Ainsi, revêtant mes différentes casquettes, j’ai créé ce magazine, jonglant entre direction artistique, rédaction, interviews et simples échanges. Et ce n’est, je l’espère, qu’une étape initiale d’un voyage long et riche en découvertes.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Aurèle Sack, Gilles Gavillet
Influencé par l’arrivée du métavers, « Varia » est une métaphore de l’absurdité et de l’échec prématuré de cette technologie, ainsi qu’une recherche sur les formes en typographie. En s’inspirant du phénomène d’optimisation géométrique en 3D Level of Detail, « Varia » évolue sur un axe du même nom et se compose en trois cut : 0, 4, 8. Alors que le niveau 0 semble plus proche de la typographie traditionnelle, il s’agit en réalité d’une version « lissée » des cut précédents qui tentent déjà de synthétiser les lettres jusqu’à leurs formes les plus rudimentaires. De la rigidité des formes, les contraintes existentielles que pose la recherche illustrent la vision rétrograde et dystopique du métavers, tout en proposant le reflet rassurant d’une transition géométrique future de nos corps.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Guy Meldem, Tessa Roy
Le site web « Digital Feminist Manifesto » a pour but de présenter un ensemble de principes de représentation du corps et de ses absences de limite dans les espaces numériques, prenant en compte des principes tels que l’inclusivité, le spectre des genres et l’intersectionnalité. Le site se compose d’une partie textuelle (le manifeste et ses enjeux) et d’avatars. Ces derniers illustrent l’une des nombreuses interprétations possibles dans la façon d’interpréter le corps. N’étant ni linéaires, ni hiérarchiques, les avatars s’organisent de manière évolutive et arborescente. Ainsi, en entrant dans le site, on se retrouve en un point central, ce qui nous permet par la suite d’explorer le site dans toutes les directions et de découvrir ses possibilités.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Aurèle Sack, Jonathan Hares
Ce travail propose une réinterprétation de la police de caractères Trajan, trouvant sa place sur un espace numérique. Cette police est riche d’histoire : des pierres romaines dont elle découle à ses multiples itérations en gravure lapidaire contemporaine, principalement sur des monuments funéraires en Occident. Ce travail typographique se déploie sur un site web. Un cimetière numérique vous y attend, où vous pourrez graver votre pierre tombale et personnaliser votre espace de deuil. « Coemeter » joue avec les dualités, entre sacré et profane, histoire et anachronisme, matière et conscience. Cette expérience à la fois décomplexée et poétique invite à repenser notre lien à la pierre, à la mémoire et à la perte.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Diego Bontognali, Aurèle Sack
Ce que l’on voit est-il réel ou subjectif ? L’interprétation est en permanence le résultat d’une appréhension individuelle. C’est pour cette raison que l’espace peut être manipulé et exacerber des relations désirées. En lien avec la perception de notre environnement, ce travail étudie le principe d’anamorphose engendré par des caractères typographiques conçus en trois dimensions. Fluctuantes entre lettres et abstraction, ces structures visuelles proposent différents degrés de lisibilité en fonction du point de vue adopté.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Nicole Udry, Guy Meldem
La population de « Neovertebra » ne cesse de diminuer, décimée par les températures élevées et la pénurie alimentaire. Plus rien ne pousse en dehors des serres. Pour remédier aux attaques qui menacent les plantations, Sabina et Greg élaborent un engrais à base de pissenlits. « Sabina? » est un roman graphique en réponse à l’effondrement possible de la civilisation. Face à un certain sentiment d’impuissance et de passivité, la technique du collage manuel apparaît comme un palimpseste à travers lequel l’histoire peut assumer de nouvelles perspectives. Images récoltées et créations personnelles s’accumulent puis se dégradent au fil de cette dystopie, encourageant la projection du lecteur et l’assimilation de ces informations.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Diego Bontognali, Guy Meldem
La plage, un espace contradictoire. À la fois romantique et dérisoire, un arrêt dans le temps et une urgence, un fantasme du vide et un rivage bondé, un lieu affranchi et une frontière. « Pearly skin, Summer hit, vanished by the wind » est une trace, une métaphore des représentations de la plage aujourd’hui dans l’imaginaire collectif, avant sa disparition. Le journal, divisé en trois thématiques (anthropologie, climat et migration), juxtapose images oniriques, dépêches factuelles, textes impératifs et publicités futiles. Ces différents langages soulignent la complexité paradoxale du lieu. Par le cyanotype, la feuille devient peau et l’impression devient bronzage. Le va-et-vient des vagues marque les pages, parsemées de grains de sable et de crème solaire.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Nicole Udry, Jonathan Hares
« Harmonic Structures » est une tentative d’élaboration d’un langage graphique modulaire et musical pouvant constituer la base d’une architecture sonore. Le premier numéro inscrit certaines informations propres au bâtiment et à la population du Lignon à Genève, afin de les appliquer dans un système de notation musicale bidimensionnelle. Finalement, ces données sont interprétées par un musicien utilisant une MPC 1000 afin de permettre une communication sonore de ce qui constitue précisément le bâtiment.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Guy Meldem, Gilles Gavillet
La place du graphiste à l’ère des avancées technologiques : le monde d’aujourd’hui est en constante évolution technologique, ce qui soulève des questions sur la place et le rôle du graphiste. Dans ce travail de diplôme, j’ai entrepris d’explorer cette problématique en adoptant une approche résolument manuelle et artisanale. J’ai créé un livre de A à Z en utilisant des techniques traditionnelles de fabrication, de l’élaboration du papier à la reliure finale. En m’éloignant de la digitalisation omniprésente, j’ai souhaité exprimer un besoin de revenir à l’essence même du métier de graphiste. Ce projet met en lumière les avantages d’une approche artisanale dans un monde de plus en plus numérique. Il encourage la réflexion sur les compétences spécifiques que les graphistes peuvent apporter.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Guy Meldem, Nicole Udry
Lorsque sont repoussées les limites usuelles de l’édition, nos sens sont perturbés. Nous faisons alors face à de nouvelles perspectives. « Les Résidences nomades » engagent le lecteur à s’immiscer dans un récit par le geste et le corps dans un langage pictural de 9 mètres. Y est dépeint un lieu particulier et les coutumes de ceux qui le fréquente. Pas à pas, nous découvrons une réflexion subtile entre fantasme, variation de la perception et limite du langage.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Guy Meldem, Nicole Udry
« Starlight » est un magazine qui célèbre l’inclusion, les diversités socio-culturelles et les sexualités à travers le reggaeton. C’est un outil conçut pour donner la voix à des personnes souvent marginalisé·e·x·s afin de mettre en avant les invisibilités de notre société. Ce numéro offre des clés de compréhension et des pistes de réflexion en vue d’une société plus équitable. Le désir se manifeste à travers les images et celles-ci ont toujours une intention première. Elles sont principalement dominées par le « male gaze ». En prenant les choses en main cela peut changer. Il est possible d’inverser les perspectives ainsi que les dynamiques de pouvoir. Soyez les protagoniste·x·s de vos désirs. Soyez fier·ère·x·s de vos corps. Soyez les stars de vos propres fantasmes et de vos vies.
DESIGN GRAPHIQUE
avec Jonathan Hares, Aurèle Sack
« Yours to Play and Win » est un projet de promotion typographique sous le thème du jeu d’échecs. Les lettres, comme les pièces du jeu, sont des symboles qui se chargent de sens quand ils sont activés par l’activité abstraite humaine, la pensée. En référence aux propos de Duchamp, les représentations idéographiques d’un cheminement cognitif montrent leur réel potentiel, qui dépasse la simple organisation visuelle. Le caractère s’inscrit dans la famille des polices de caractères égyptiennes, qui reflètent le mécanisme moderne, en rappelant l’artisanat grâce aux empattements. Les proportions monocases s’adaptent aux modules du jeu et les contours arrondis ajoutent un caractère organique afin de rappeler la pensée humaine. Le texte va imager les idées afin de démontrer le propos du projet.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
En Sierra Leone, les métiers manuels issus de l’artisanat local sont en perdition due à une économie d’importation qui a déconstruit la vision qualitative des objets issus de cette main-d’œuvre pour des standards occidentaux. Mon travail de diplôme consiste en l’organisation d’ateliers créatifs pour les enfants d’une école située dans un quartier économiquement et géographiquement vulnérable. Ma recherche s’est portée sur l’ébénisterie, la confection sur mesure et l’impression textile. Le projet s’est déroulé en deux temps : un travail de design local en collaboration avec les artisans concernés, puis trois ateliers permettant aux enfants de découvrir des métiers manuels tout en développant leur créativité afin de réaliser des objets utilisables dans l’enceinte de l’école.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Pierrot » est un projet comprenant deux modules qui permettent de faciliter l’accès aux zones rocheuses et à la baignade dans le lac. Ces espaces de roches ont été installés il y a longtemps par l’homme pour protéger les rives. Ils rendent l’accès au lac difficile en raison de leur caractère glissant et changeant. L’objectif est de mettre en valeur cet espace afin que la population puisse profiter du lac tout en préservant les rares espaces naturels qui le bordent. Ces deux plateformes, de tailles différentes, sont faites d’une structure en bois (« Douglass ») et d’un filet métallique rempli de cailloux, qui permet d’épouser la forme des roches du lac et de créer un habitat supplémentaire pour la biodiversité.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Lors de nos activités aquatiques, il est essentiel d’assurer notre sécurité en portant un gilet de flottaison. Cependant, de nombreuses personnes refusent de le faire, ignorant ainsi les risques tels que les crampes, les chocs thermiques ou les blessures. Pourtant, nous n’hésitons pas à emporter un sac étanche pour protéger nos affaires de l’eau. C’est dans cet esprit de responsabilité que naît « Airwear ». Un gilet de flottaison gonflable qui intègre un compartiment étanche dans son design. Lorsqu’on souhaite prendre nos valeurs avec nous, il suffit d’enfiler son sac étanche tel un sac à dos, puis de gonfler le gilet grâce à un tube placé à l’avant. Nos affaires sont en sécurité et nous aussi.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Pour mon projet de diplôme, j’ai étudié l’avenir des stations de ski face à la diminution de la neige. De nombreuses stations de basse à moyenne altitude ont dû fermer en raison du réchauffement climatique. Environ 180 stations en France ont fermé, laissant les pylônes des remontées mécaniques à l’abandon. Je propose de transformer ces pylônes en refuges perchés pour offrir une expérience unique en montagne et recréer un nouvel attrait touristique. Les refuges perchés, situés à une hauteur de 10 mètres, offriront des vues panoramiques exceptionnelles sur le paysage montagneux. Inspirés par l’architecture traditionnelle des chalets-refuges, ils combineront confort moderne et authenticité montagnarde, favorisant l’harmonie avec la nature environnante.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
L’origine de ce projet remonte à ma rencontre avec une artisane-encadreuse professionnelle spécialisée dans la création de cadres sur-mesure. Elle m’a fait part de son constat concernant le manque d’innovation dans le design des baguettes proposées par son catalogue, ainsi que des nouvelles attentes de sa clientèle. C’est ainsi qu’est venu l’idée de concevoir de nouvelles baguettes. Ce projet consiste en la création de cadres, composés d’une gamme de cinq profils paramétriques, répondant à divers types d’encadrement : muraux, posés ou sur pied. Leur capacité à se combiner offre des possibilités étendues, ouvrant ainsi de nouvelles perspectives visuelles. Cette gamme élargie permettra aux encadreurs de proposer un choix plus vaste, en offrant une personnalisation plus singulière à leurs clients.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Mon projet est une réflexion sur l’espace sanitaire, son agencement spatial, son utilisation et sa forme. Dans le contexte de la réhabilitation, ma proposition vise à transformer l’espace de la salle de bain en un objet autonome. Ce principe de base m’incite à concevoir une nouvelle typologie : la salle de bain fragmentée.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Around the Farm » est une expérience d’hébergement à la campagne. L’idée est de créer des volumes habitables issus de constructions agricoles existantes, afin de promouvoir un dépaysement plus proche de chez soi pour une population en quête de tourisme de proximité. Le résultat est l’aménagement intérieur d’un silo à grain développé sur deux niveaux. Le premier étage est une pièce fonctionnelle avec un espace d’entrée et une salle d’eau. Le second est dédié à l’espace couchage avec des ouvertures pour admirer la campagne.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Dans un contexte de crise énergétique et de prise de conscience généralisée de la finitude des ressources à disposition, l’utilisation de ressources locales pour se chauffer est prise en considération. « Pierre » est une alternative de chauffage d’appoint compact. Tout comme son combustible, ce poêle utilise des pierres locales pour stocker la chaleur. Cela facilite le transport de ce dernier, tout en générant une composition singulière à chaque installation.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
De manière générale, on constate que la pièce dans laquelle nous cuisinons se trouve à l’écart de la salle à manger et, par conséquent, lorsque nous préparons un repas, nous sommes séparés du reste de la famille ou de nos convives. Sous son plateau en céramique, cette table à manger cache un système à induction. Elle offre ainsi la possibilité de préparer des plats de table sans équipements supplémentaires ou celle d’être simplement utilisée comme table de cuisson. En effet, qui de nous pourrait renoncer à la possibilité de pouvoir cuisiner tout en surveillant ses enfants, de travailler en préparant un café ou un thé, de cuisiner un plat entouré de ses amis, de garder les plats au chaud ou encore de pouvoir cuire sa raclette directement sur la table ?
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« GYNECARE » est une tenue gynécologique innovante qui vise à protéger et apporter aux personnes une plus grande sécurité et une vulnérabilité réduite lors des examens médicaux. Ce projet répond à un réel besoin en offrant une alternative plus confortable et humaine aux personnes, tout en améliorant la qualité des soins gynécologiques. « Gynecare » serait la première tenue officielle dans le domaine gynécologique, conçue précisément pour ces examens. La tenue est fabriquée en tissu de chanvre, qui bénéficie de propriétés uniques idéales dans le monde médical. Pour le respect et l’amour de notre corps à tout·e·x·s.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Pour conserver un produit frais, on le met machinalement au réfrigérateur. Pourtant, bon nombre d’aliments se conservent très bien (voire mieux) à température ambiante, à condition de respecter certains paramètres. Autrefois connus de toutes et tous, ceux-ci sont à la base de mon projet. Le garde-frais est un nouvel élément de cuisine. Il se compose d’un garde-manger sous forme de bacs, offrant différents paramètres de conservation, un réfrigérateur et un congélateur de taille réduite. Il est également équipé d’un déshydrateur, alimenté par la chaleur résiduelle. Avec une vision claire des quantités et une implication directe, il propose une nouvelle approche de notre consommation, entre les savoir-faire anciens, les préoccupations énergétiques actuelles et nos habitudes alimentaires à venir.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Les modules « Silverground » sont pensés pour offrir une opportunité à nos aîné·e·s de pratiquer des exercices d’agilité et d’équilibre dans l’espace public. Ces modules novateurs seraient insérés dans le sol et disposés sur un parcours de promenade. Mis à disposition de tout un chacun, ils représentent une activité ludique intergénérationnelle. L’équilibre est une compétence essentielle dans la mobilité des séniors. Il est exercé lors de pratique d’activités physiques, mais ces dernières sont souvent négligées lorsque l’on prend de l’âge. Des activités physiques encadrées par des professionnel·le·s sont souvent coûteuses pour nos aîné·e·s. Ainsi, ces modules urbains offrent une solution accessible à toutes et tous et participent à la prévention des chutes, principale cause des accidents des séniors.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Face à la baisse des réserves mondiales d’énergie, le défi de chauffer les maisons, surtout les plus anciennes et les plus mal isolées, est grandissant. Le chanvre, aux atouts notables tels que l’isolation, la purification de l’air, la résistance aux bactéries et l’absorption de CO2, fait un retour marqué. Son faible besoin en eau pour la culture accentue son attrait. Les modules « Uyut », incorporant des poches de fibres de chanvre, empêchent l’air froid d’entrer et l’air chaud de sortir, créant des espaces chauds dans de grandes pièces et isolant efficacement fenêtres, murs et portes. Leur flexibilité fait d’eux une solution pratique et durable vers des maisons écoénergétiques.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Wood Works Swiss Edition » est une investigation sur l’industrie du bois et le savoir-faire que l’on trouve dans différentes parties du monde. Dans cette première édition, l’accent est mis sur la Suisse. Pour explorer un univers aussi vaste, la recherche prend la forme d’un site web, où les visiteur·euse·s peuvent découvrir les différentes façons de travailler le bois selon les catégories suivantes : essence, région, métier, produit, outil et fabricant·e. Le site web propose une boîte à échantillons qui donne un aperçu de l’expertise et des processus méticuleux impliqués dans la fabrication d’un produit en bois suisse.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Personenwagen 6+2 » est un taxi électrique spécialement conçu pour les trajets courts dans les zones urbaines, avec un accent sur la production locale. Il a été développé en collaboration avec STIMBO, une entreprise familiale qui produit des taxis électriques et des véhicules commerciaux dans la vallée de Zermatt depuis 1980. Il est conçu comme un élément mobile de l’espace public, plutôt que comme une marchandise privée. Dépouillé au maximum, le design privilégie la simplicité et offre une expérience immersive aux passagers.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Inspiré de la projection la plus alarmante du GIEC et de nombreux rapports, je vous invite à imaginer un avenir où la concentration de carbone atteint 1000 ppm d’ici la fin du siècle. À quoi ressemblerait ce monde ? Pour saisir cette vision, j’ai imaginé trois objets distincts, chacun faisant partie de récits uniques enracinés dans mon scénario hypothétique. Tout d’abord, une gourde « low-tech » isolée pour affronter les défis de la migration climatique. Ensuite, une technique de réparation conçue pour renforcer et imperméabiliser des chaussures usées, incarnant l’ingéniosité face à la pénurie de certaines ressources. Finalement, un dispositif nasal doté d’une technologie de pointe capable de filtrer et purifier l’air pollué, protégeant de la menace imminente de la contamination atmosphérique.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Le « Disassembly Lab » est une étude conceptuelle et formelle visant à créer des chaussures intégrées à un système de commercialisation durable. Le désassemblage permet de prolonger la durée de vie d’une chaussure, la rendant réparable, restaurable, remplaçable et recyclable. L’objectif est de repenser et de redéfinir la manière dont nous construisons et assemblons des baskets. Cette recherche s’inspire de diverses références et explore plusieurs concepts distincts. Chaque concept évolue au fil de la recherche, aboutissant à trois chaussures, offrant des solutions fonctionnelles et esthétiques variées. Ces chaussures, dotées de semelles en TPU et d’une tige en tricot 3D, sont réduites à l’essentiel, ce qui permet une production et un assemblage simples et rapides et une recyclabilité facile.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Le projet « Spirulicious » vise à promouvoir la spiruline de qualité produite en Suisse en proposant des alternatives innovantes pour sa consommation. Souvent associée à un complément alimentaire sous forme de pilule, comme un médicament, la spiruline est en fait un superaliment riche en protéines et en fer, offrant de nombreux avantages nutritionnels et environnementaux. « Spirulicious » présente deux snacks : « SPIRA », une barre croquante, et « SPIRU », une crème glacée. Destinés aux adultes, ces produits sont à la fois végétaliens et diététiques, offrant une manière savoureuse de consommer de la spiruline tout en conservant ses qualités nutritionnelles. « SPIRA » est conçu pour être produit à petite échelle par une ferme locale, tandis que « SPIRU » est adapté à une production à plus grande échelle.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Dans les usines de préfabrication de béton, du béton excédentaire est préparé pour éviter les pénuries lors des opérations de coulage. Toutefois, cet excédent, qui représente environ une à quatre tonnes par jour, est généralement mis au rebut. L’usine produit alors de gros blocs, transportés vers une décharge où ils deviennent du gravier. L’objectif de « LEFT(L)OVER » est de réutiliser ces excédents pour créer du mobilier urbain. Des moules sont alors fournis aux entreprises pour remplacer leurs blocs. Cette collaboration établit un échange mutuellement bénéfique. Les moules s’intègrent parfaitement aux habitudes et à la logistique de l’usine. Ils se composent de deux parties détachables avec la place nécessaire pour un déchargement efficace du béton et l’optimisation du processus.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Le vélo est devenu un moyen de livraison établi ces dernières années, mais, même si ce dernier évolue pour répondre à la demande croissante, l’utilisateur reste exposé aux inconforts inhérents au vélo. « Aplo », issu d’une collaboration avec la start-up suisse Shematic pour leur vélo cargo « Yakbike », facilite son utilisation quotidienne en intégrant des éléments de protection optimisés et de rangements. « Aplo » dispose également d’une bulle additionnelle pliable et légère en cas d’intempéries. Sa construction est adaptée aux demandes de durabilité et de simplicité tout en intégrant des éléments essentiels du vélo.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Alma » redéfinit les rituels de beauté pour les séniors et les personnes souffrant d’arthrite ou d’une dextérité limitée. Chaque client mérite de se sentir beau et confiant, quelles que soient ses capacités. Le set comprend trois pinceaux de maquillage, un mascara, un rouge à lèvres et une palette de maquillage. Le projet a été développé en collaboration avec des séniors confrontés à des problèmes de motricité fine.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Tatable » est une approche qui vise à restaurer les tables en bois démodées, leur donnant ainsi une nouvelle vie. Plutôt que d’être simplement jetées en raison de leur style dépassé, ces tables bénéficient d’une seconde chance. Nous procédons avec précaution en retirant les anciens pieds stylisés pour les remplacer par une structure « tatable » moderne, amovible et adaptable. Cette méthode permet de redonner aux tables leur fonctionnalité et leur attrait esthétique.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Dôme » est une série de dalles modulables créées afin d’allier verdure et minéralité dans la création de zones publiques de détente et de repos. Ce projet propose une approche novatrice dans l’utilisation du béton. Les dalles rondes en béton fibré, coulées dans un matériau textile, offrent une finesse et une forme bombée uniques. Coulé à l’usine de béton fibré de mon père à Aigle, ce projet est une collaboration avec mon patrimoine. L’utilisation du coffrage textile permet d’offrir de nouvelles possibilités esthétiques tout en réduisant les chutes de matières associées au coffrage rigide traditionnel. De plus, il permet une meilleure qualité et densité du béton grâce à l’évacuation de l’eau et des bulles par le tissu, rendant le béton et les dalles plus durables.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
Mon projet est le fruit de mon questionnement autour de l’automatisation et la robotisation grandissante de l’industrie. L’homme a-t-il encore sa place dans ce processus industrialisé ? N’y a-t-il pas des étapes où son apport puisse concurrencer les machines ? Mon projet consiste en des modules à facettes en tôle d’aluminium. Chacune d’entre elles ont été trempées manuellement dans des bains de couleur. En résulte des surfaces avec des teintes variantes, des coulures et autres défauts qui procurent des résultats imprévisibles et hautement expressifs.
DESIGN INDUSTRIEL
par Sam Lombardo
De manière générale, on constate que la pièce dans laquelle nous cuisinons se trouve à l’écart de la salle à manger et, par conséquent, lorsque nous préparons un repas, nous sommes séparés du reste de la famille ou de nos convives. Sous son plateau en céramique, cette table à manger cache un système à induction. Elle offre ainsi la possibilité de préparer des plats de table sans équipements supplémentaires ou celle d’être simplement utilisée comme table de cuisson. En effet, qui de nous pourrait renoncer à la possibilité de pouvoir cuisiner tout en surveillant ses enfants, de travailler en préparant un café ou un thé, de cuisiner un plat entouré de ses amis, de garder les plats au chaud ou encore de pouvoir cuire sa raclette directement sur la table ?
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Tsemenâ » est un mobilier urbain qui permet de manger la fondue en ville de Bulle. La table haute possède un réchaud qui fonctionne avec une barquette de gel inflammable. Les deux outils qui l’accompagnent permettent de réguler l’intensité de la flamme ou de l’éteindre. Il est possible de les localiser sur Google Maps et de se ravitailler en fondue à tout moment auprès d’un automate à fromage d’un artisan local. Le mobilier est fabriqué à base de tôle et de profilés conventionnels en acier et acier inox afin de minimiser le coût de production pour la ville. Elle permet autant aux locaux qu’aux touristes de s’approprier et de jouir d’un bout d’espace public le temps d’un repas.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Fold » est un canapé convertible en bois qui se déploie à l’aide d’une charnière flexible en tissu. De cette manière, « Fold » réduit la quantité de matériel nécessaire, tout en restant fonctionnel : il suffit de tirer sur la partie avant pour déplier les coussins, puis de la repousser pour revenir à sa position initiale.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling
« Doc Pals » est une série d’objets qui vise à créer un environnement moins stressant pour les enfants lors de leurs examens médicaux. Il contient un tensiomètre, des abaisse-langues ainsi que des tampons et un sous-main de coloriage pour la salle d’attente. Sur la base d’histoires racontées par les pédiatres aux enfants pour les rassurer, un tensiomètre ours, un abaisse-langue en forme de tigre et des tampons ont été fabriqués. Un petit livre, disponible dans la salle d’attente, a également été créé pour suivre les enfants pendant les examens. Il contient une petite histoire et quelques activités ludiques pour occuper les enfants dans les moments stressants. Après l’examen, le livre peut être ramené à la maison.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Paul Nouvelhomme
Avec GlobalCom, grâce à la puissance de l’IA, générez promptement l’identité graphique de votre entité commerciale ! L’émergence récente de services tels que ChatGPT ou DALL·E amène à s’interroger sur le rôle de l’IA dans les processus de design. Dans une réalité où un designer publicitaire se fie inévitablement au web pour chercher de l’inspiration, le produit final apparaît souvent similaire aux autres. À quoi ressembleraient les logos et les identités visuelles si le design initial était piloté par une IA dont le dataset est déjà nourri par la surproduction et le mimétisme ? GlobalCom, issu de ce processus automatisé, nous révèle que ces outils sont encore trop naïfs pour être autonomes. Toutefois, peuvent-ils être employés comme catalyseurs pour stimuler la créativité des designers ?
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Alexandra Sensi
« Self-Reflection » est une expérience sociale qui porte un regard ironique sur l’impact de l’image au sein de notre société. Elle met en évidence l’importance de la perception de nous-mêmes dans les normes sociales. L’installation superpose le reflet de l’utilisateur·rice à un jeu numérique grâce à un miroir sans tain. Ainsi, chacun·e est plongé·e à la fois dans le jeu et confronté·e à son propre reflet. Au fil de notre progression, nous sommes confronté·e·s à des situations révélant comment notre perception de nous-mêmes influence nos comportements et joue un rôle dans nos constructions sociales. Ce projet est motivé par des raisons personnelles et une formation en psychologie et en sciences sociales, renforçant l’intérêt pour les mécanismes humains, l’analyse psychologique et le désir d’aider.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Niki Zaal
« Waazo » est un jeu mobile qui connecte des participant·e·s inconnu·e·s pour une expérience sociale et amicale : une expérience où le virtuel et le réel se rejoignent. Aujourd’hui, les smartphones et les réseaux sociaux nous connectent avec des personnes éloignées, mais peuvent cependant nous éloigner de notre entourage physique. Ce jeu interactif utilise cette hyper-connectivité pour reconnecter les gens dans un lieu spécifique, de manière paradoxale. Ce jeu s’inspire des jeux de notre enfance, tels que « Où est Charlie ? » ou « Cluedo ». En utilisant son téléphone, chaque participant·e explore les gens qui l’entourent pour découvrir des personnes inconnues. Des indices subtils, tels que leur posture, leur humeur ou encore leur accessoire principal, guideront le joueur dans cette quête de rencontres.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Arthur Lucchesi
Le « RWM MK1 » est un synthétiseur électronique expérimental qui capte et transforme les signaux radio, créant des ambiances sonores et des sons intrigants. Cet instrument interagit avec les rayonnements électromagnétiques terrestres et cosmiques, permettant ainsi d’écouter les échos lointains des confins de l’univers. Il se compose de deux plaques de PCB avec une interface tangible permettant une interaction en temps réel avec ces ondes. Les musicien·ne·s peuvent de plus ajouter des effets sonores, enrichissant l’expérimentation. Mon projet s’inspire de la découverte des pulsars par Jocelyn Bell, du programme SETI de la NASA, du Wow Signal et des œuvres de musicien·ne·s tels que Tim Hecker et Gustav Holst.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Tickie Bindner
« Sazen City » propose une immersion dans le paysage collectif de nos souvenirs. Chaque participant·e prend part à l’expérience en explorant un territoire, avant d’adresser des cartes postales qui génèrent une cartographie imaginaire et dynamique. À la différence des photos de panoramas ou de villes, ces cartes digitales illustrent des souvenirs, des moments et des émotions universels en dévoilant une nouvelle forme d’échange épistolaire adapté à nos espaces digitaux. S’inspirant des « Villes invisibles » d’Italo Calvino, « Sazen City » s’appuie sur le machine learning pour cocréer un territoire collectif. Au fur et à mesure de sa construction, ce paysage partagé interroge l’individualité de nos souvenirs et le rôle de l’imaginaire artificiel dans nos environnements numériques.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Julien Caulet
Mon projet est un outil qui permet à un·e musicien·ne d’offrir à sa communauté un rôle privilégié dans le processus d’organisation d’un concert. En utilisant Instagram de façon non conventionnelle, « Groove électrique : l’Odyssée » est un récit sous forme de « série interactive » qui invite le public à participer au processus de mise en œuvre du concert jusqu’au jour de la performance. Ce projet s’adresse ainsi aux artistes qui souhaitent renforcer leur communauté et la faire grandir. L’enjeu est de créer une plateforme originale qui amène l’artiste à développer de nouveaux liens « humains » avec son public, tout en promouvant son travail. Cette proximité doit permettre de nourrir autant l’artiste que la communauté, qui occupera une place centrale dans le processus créatif de certains projets.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Lily Rose Hold
« Dotto » est un jeu de puzzle numérique qui s’inspire du jeu classique de points à relier. Il combine la liaison de points avec la satisfaction de créer des graphiques vectoriels. En naviguant à travers la collection de puzzles, vous embarquez pour un voyage de découverte. Chaque point relié dévoile une partie de l’œuvre d’art sous-jacente, la ramenant progressivement à la vie à chaque connexion. Un mélange de gameplay satisfaisant et de célébration de l’illustration vectorielle, « Dotto » offre une expérience pour les amateur·rice·s de puzzles et les amoureux de l’illustration graphique.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Elina Crespi
« Metamorphoses » est un jeu vidéo sous forme d’installation qui permet de faire évoluer son univers en explorant ses différentes dimensions. C’est une machine organique représentant une harmonie des contraires, une dualité entre machine et humain. Il y a un équilibre à trouver : est-ce que la machine doit s’adapter à l’humain ou l’humain à la machine ? l’humain à l’humain ? la machine à la machine ? En participant à « Métamorphoses », les joueur·euse·s sont invité·e·s à créer des connexions en branchant un câble jack pour résoudre des énigmes, participer activement à la narration et interagir avec l’environnement. La machine organique incarne alors une dualité, en faisant coexister des éléments naturels et technologiques dans un environnement interactif et évolutif, questionnant ainsi notre propre monde.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Salomé Dotter
Playmobil et démineurs. Sac de billes et MSN. Malabar et BlackBerry. Facebook et cœur brisé. Boule disco et interro. « Fragments choisis » est un assemblage poétique de souvenirs, une tentative d’immunité contre l’oubli. Sur une étagère, l’exposition des traces du temps qui passe. Vingt-trois objets physiques ont été soigneusement sélectionnés pour incarner des réminiscences de la petite enfance à l’adolescence. La visiteuse ou le visiteur est invité·e à scanner ce qu’elle / il souhaite avec son smartphone, pour donner vie à une histoire et entraîner la fouille de l’espace virtuel qui lui est proposé. À travers ce procédé archéologique, mon intention est de cristalliser une nostalgie contemporaine en une mosaïque de souvenirs communs. Et vous, quels fragments choisiriez-vous ?
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Bogdan Nastase
Ciblant le monde du photojournalisme, « FULCRUM » pose la question de la confidentialité des photographies publiées. Alors que de nombreux photojournalistes sont d’avis que la censure des visages altère des faits historiques importants, la protection des sujets reste un principe journalistique fondamental. Étant donné l’omniprésence du data-scraping et la reconnaissance faciale, la législation visant à atténuer les abus potentiels reste dépassée par le progrès rapide de la technologie. « FULCRUM » est une solution contemporaine au débat éthique entre les photojournalistes et le public. En masquant les visages des sujets avec des visages générés par IA, « FULCRUM » assure une anonymisation non destructive, qui protège l’identité des personnes représentées ainsi que la qualité photographique de l’image.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Jeanne Weber
« Dusky Large Blue » est une expérience web qui permet de sensibiliser le public aux conséquences des activités humaines sur les espèces menacées. Ce projet s’inscrit dans le contexte de la réserve de la Grande Cariçaie avec qui je collabore pour sa réalisation. Une promenade fictive conduit le visiteur par cinq postes qui abordent chacun une espèce menacée. « Dusky Large Blue » est un prototype qui présente un cas précis : le cycle de vie de l’azuré des paluds, une espèce de papillon. Le visiteur découvre également quels problèmes sont liés à son cycle de vie dans la réserve et en-dehors. Ce projet me permet à la fois de développer un sujet qui me tient à cœur et de proposer une version alternative d’un environnement précis en superposant une approche visuelle et auditive personnelles à la réalité.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Adryan Barrilliet
« Will I Exist Within You? » est une exploration immersive de la dualité humaine entre le désir de relation et la peur d’en souffrir. Ce voyage existentiel suit un individu déchiré, explorant comment les interactions sociales contribuent à façonner son essence. En abordant des thèmes profonds tels que la quête de sens, la solitude, la peur et l’amour, l’expérience, divisée en quatre parties distinctes, questionne notre rapport à l’autre, à l’individualité et à la construction de soi. « Will I Exist Within You? » constitue le prolongement d’une réflexion commencée durant mon travail de mémoire, portant sur l’influence des jeux vidéo sur le développement personnel et, plus particulièrement, sur les liens para-sociaux établis entre la joueuse ou le joueur et les personnages qui l’accompagnent.
PHOTOGRAPHIE
par Sara De Brito Faustino
« Il s’agit d’un foyer, un lieu où étrangeté et familiarité de l’ordinaire se côtoient. Espace intime, il se devrait d’être ressourçant et sécurisant. Pourtant, il a été le théâtre de scènes douloureuses. Aujourd’hui cette maison m’apparait comme menaçante. Inconfortable, dysfonctionnelle, elle témoigne des cicatrices du passé. Dans mes photographies, je revisite mes souvenirs et me réapproprie mon corps. Mes maquettes minuscules expriment un idéal de fillette confronté à mes fêlures actuelles. Déconstruire, reconstruire, les objets deviennent corps : je me sens difforme et pétrifiée. Toute petite et vilaine suscite une tension antagoniste entre esthétique séduisante et éléments inquiétants. »
PHOTOGRAPHIE
par Tony Altermatt
« Huǒlóng évoque les souvenirs et la sensation que nous procure un pays dans lequel on n’a jamais habité. On explore puis on entremêle des symboles et des images, donnant naissance à notre propre culture. D’est en ouest, j’y crée ma représentation de la seconde génération de la diaspora chinoise. Silencieusement construits, deux paysages distincts se confondent. Notre jeunesse y évolue, oscillant entre deux cultures. L’osmose est palpable, entre héritage traditionnel et volonté d’émancipation. Ce récit fictif est le fruit d’un voyage. Les protagonistes se rassemblent pour échanger leurs regards. Nous connectons terres, objets et environnements. C’est notre manière de représenter le métissage : une symphonie poétique, où les frontières sont dissoutes. »
PHOTOGRAPHIE
par Inès Mermoud
OS CRIAS essaie de mettre en lumière le rapport des enfants vivant dans différentes favelas à Rio de Janeiro avec la violence qui les environne. Le projet aborde le sujet d’un aspect personnel, en se basant sur des récits et des expériences familiales. Ce livre documentaire évoque les problématiques politiques et sociales brésiliennes d’un point de vue critique et lie différentes typologies d’images. Une approche participative est également soulevée.
PHOTOGRAPHIE
par Dominique Bartels
« Nostalgie de supports qui rentrent en relation avec mon corps. L’installation The Threads That Hold the Earth Together explore la plasticité de l’image photographique et filmique à travers le tissage. Faire et juxtaposer des photographies, c’est pour moi une manière de rendre tangible, de tisser des liens. La matière, le corps même de l’image sont mon point de départ. Pour saisir ce passage d’informe à forme, je travaille différents supports liés au lin : premier tissu pour couvrir, habiller et conserver le corps humain. Trois toiles tissées et détissées de lin, pellicule photographique et bande magnétique, sont suspendues dans l’espace. Une vidéo qui explore la transformation linière à travers différentes textures d’images tourne en boucle sur une télévision. »
PHOTOGRAPHIE
par Eloïse Genoud
« INSIDE est un travail autour de la danse contemporaine, du mouvement et du corps. Né de ma passion pour la danse, ce livre cherche à illustrer cette pratique de l’intérieur, comme une intimité à expérimenter. Danseuse depuis 18 ans, je tente de faire vivre au spectateur le mouvement, le groupe et la passion pour la scène et pour cet art. INSIDE fait référence à ce moment particulier de l’arrivée sous les projecteurs et de la communion entre les corps et la lumière. Ce travail n’est pas un documentaire sur la danse, mais une expérimentation où les individus fusionnent en un seul et unique corps. Une majeure partie de ce projet a été mise en scène, demandant un travail de chorégraphie et de participation active aux danses réalisées spécialement pour cet ouvrage. »
PHOTOGRAPHIE
par Noa Chevalley
« Au milieu de cette gravière, paysage vaste, artificiel et monumental, je tente de laisser ma trace. En mimétisme avec cet environnement, j’entaille la terre à la force de mes bras. Le corps nu devient un outil pour creuser et filmer. Il est désexualisé dans cette action vaine et infinie. J’utilise ma force pour me sentir plus puissante et me détacher des injonctions normatives qui me sont imposées. Malgré cela, je ne parviens pas à rivaliser avec ce lieu gigantesque. Une lutte acharnée se mène entre la pelle et le sol, une lutte qui casse le corps et le démantèle. Ce travail est le miroir d’un sentiment d’insuffisance qui s’inscrit dans une dynamique d’acharnement à répondre aux attentes qu’on nous impose. Je n’écoute plus mon corps et suis conditionnée à accepter un monde qui le déchire. »
PHOTOGRAPHIE
par Louis Victorin Michel
Deus Corporatæ tisse des liens entre le monde de l’argent et le pouvoir. Il tente de représenter le monde de la corporation comme une forteresse numineuse. Ses architectures imposantes et éblouissantes transmettent un sentiment de présence absolue, comme une dimension sacrée. Des symboles sont disséminés parmi ces lieux, similaires à des armoiries ; ils permettent d’incarner et de reconnaître les différentes corporations dans la ville. Ces façades vitrées illuminent les alentours en réfléchissant la lumière grâce à leur matériaux contemporains, comme le verre et l’acier. Tous les codes de la culture du travail, capitaliste, globalisée, créent une nouvelle mythologie contemporaine. Les protocoles, les règles peuvent être associés à des rituels, qui permettent l’appartenance à ce monde.
PHOTOGRAPHIE
par Jessica Dreier
« Margem Sul explore l’histoire sociale et politique du Portugal en se concentrant sur la marge sud en face de Lisbonne. J’ai documenté Barreiro, Almada, Moita et Trafaria, en mettant l’accent sur Segundo Torrão. Après la Révolution des Œillets en 1974, des communautés angolaises, mozambicaines, cap-verdiennes, guinéennes et santoméennes se sont installées ici, formant une entité solidaire. Des rappeurs locaux dénoncent la gentrification croissante à Trafaria. L’État justifie les destructions pour des raisons de sécurité, mais reste évasif sur les motivations réelles. Depuis fin 2022, foyers démolis et expulsions se multiplient. Mon travail donne une voix amplifiée aux acteur·ice·s, traduisant diverses situations, de la déambulation à des situations manifestes. »
PHOTOGRAPHIE
par Valerie Geissbühler
« Soft Matter in Interwoven Worlds est une installation à multiples facettes qui rassemble des récits autour de la pomme de terre. Ces récits retracent le voyage du tubercule depuis le Pérou, son lieu de naissance, jusqu’en Suisse. Une soft matter est une entité perçue comme non héroïque et acquise. Au lieu de réduire le tubercule à une plante nourricière, je la vois comme un porteur de vie résiliant, une créature qui bouge entre la naissance, la croissance, la mort et la perte. Je fusionne les connaissances ancestrales et des images d’autofiction en me déplaçant entre de multiples perspectives, territoires et époques, entre ma biculturalité et ma féminité. Tout cela me ramène aux racines de mes questionnements : est-ce que je t’ai élevé ou est-ce que tu m’as donné naissance ? »
PHOTOGRAPHIE
par Matteo Angelé
Ce projet de réappropriation tente de questionner l’influence du contexte et du médium par la réutilisation d’images pornographiques issues de magazines homosexuels des années 80, une décennie marquée par la découverte du SIDA. Créée à la base dans un but purement pornographique, ces images, représentant des corps dépourvus de mouvements et issus de la bondage culture, viennent approfondir l’archétype masculin décrit par Rudy Lemcke dans « A History of Violence » : « Né[s] et façonné[s] par la violence (…), nous évoluons dans un monde où ces dynamiques de contrôle et de pouvoir sont en marche pour, avec et contre nous. Les effets de cette violence font partie de qui nous sommes. »
PHOTOGRAPHIE
par Gaétan Uldry
Le drone se présente comme une machine de contrôle, de surveillance et de suppression, de plus en plus utilisée et améliorée dans son évolution technologique. Le drone agit donc comme un prisme qui recrée une nouvelle réalité, filtrant et annihilant le monde réel. L’image produite se présente comme une sorte de mirage, dénué de sens. La machine offre une mise à distance assumée de la confrontation à la mort. Ce livre souligne cette nouvelle réalité en collectant, recadrant et assemblant des images produites par des drones pour dénoncer l’absurdité et le danger de ces mécanismes d’exercice de la violence. Il questionne leur statut, dont la plastique et l’esthétique éloignent et dissimulent la vraie nature de leur fonction qui reste de contrôler, de surveiller et de tuer.
PHOTOGRAPHIE
par Samuel Spreyz
« Les hommes cisgenre gays seraient-ils emprisonnés dans le système sanitaire pour toujours ? Tels des clones désirants sous chimie, ils jouissent d’une nouvelle révolution sexuelle. Une révolution sexuelle sous substances légales. Ils deviennent des patients de longue durée pour accéder à ce libéralisme sexuel. Au moyen de la PrEP, leur utilisation consensuelle du système sanitaire s’intensifie et c’est ce que MSM Rx a l’ambition de représenter. Mon essai visuel se fonde sur une fascination pour ce mode de vie, mélange entre chimie légale et illégale, fêtes torrides et autres pratiques extrêmes entre mâles consentants. »
PHOTOGRAPHIE
par Diego Fellmann
« Ce travail porte sur les derniers fragments de souvenir de l’un de mes proches, Lopo. Initialement destiné à une carrière politique, il a décidé de suivre un autre chemin. Quittant son foyer familial avec ses économies, il a parcouru les déserts et les salines de l’Altiplano, cherchant sa propre voie. Plusieurs années plus tard, mon père a retrouvé sa trace dans un hôtel où ils avaient enregistré quelques chansons que Lopo avait composées en s’inspirant de son périple. Après cette disparition mystérieuse, il ne reste presque aucune trace de lui, sauf ces enregistrements. En utilisant des maquettes et des paysages, j’explore les failles de la mémoire et leurs aspects volatiles pour tenter de recréer un portrait de lui à partir des rares et derniers souvenirs que mon père et ma mère ont de lui. »
PHOTOGRAPHIE
par Gwendoline Albasini
Dear Kingdom est une histoire contée. Un personnage fictif y incarne la princesse prisonnière de son rôle, le cheval qui la libère et la sorcière qui lui jette un sort. Ces archétypes confrontent des interrogations intimes sur le genre féminin et cherchent à démonter des idéaux collectifs. Le château rêvé, une fois que l’on regarde au-delà de ses remparts, se liquéfie. Par la vidéo, le·la spectateur·rice·x est immergé·e·x dans un univers aussi majestueux qu’oppressant. La composition sonore est faite de chant et de violon. Les sonorités peuvent à la fois être puissantes et frêles et font transparaître la beauté des disparités. « Dear Kingdom est une adresse aux projections d’un idéal social et personnel. Il y a dans ce message une volonté de partager mon chemin dans cet univers imposant, théâtral et fantaisiste. »
PHOTOGRAPHIE
par Ulises Lozano
« L’adolescence est synonyme de construction identitaire. L’identité est redéfinie par la jeunesse d’aujourd’hui. L’esthétique qu’iels empruntent témoigne d’un désir de singularité dans une société en pleine mouvance. De façon collaborative, j’accompagne un processus d’affirmation de soi. Iels s’épanouissent et je leur propose un espace d’expression. La photographie prend forme : un lieu sûr pour les participant·e·s, leur autorisant le déploiement de personnalités fantasmées. Une sorte d’alter ego en éclosion. Ces autoportraits font écho à l’expérience intime du coming in. Devenant ainsi des instants de respiration, de réconciliation. Au travers de rencontres, de dessin et de photographie, iels me dévoilent leur soi intime. Coming in est une interprétation visuelle de ce processus.»
ARTS VISUELS
par Tara Ulmann
« Thank You for Everything (I Feel Better Now) » est une retranscription sincère et décousue d’un recueil de textes poético-théoriques queer qui retrace, à la façon d’un journal de bord, les états d’âmes traversés dans les failles d’une rupture. Adieu l’image. Ici, il n’y aura que les maux qui feront foi. S’il y a eu de l’amour, c’est qu’il y a eu de la haine et vice versa. Si je peux définir la rupture, c’est que je suis en mesure de réparer. La performance pour enfin parler, mais surtout dire. Parler plus fort et penser plus loin que la photographie.
ARTS VISUELS
par Clara Sipf
Il y a quelques jours, les oiseaux sont venus en ville. D’énormes volées de toutes les variétés d’oiseaux unies, beaucoup de corneilles, de mouettes, de moineaux. Le ciel s’est assombri. Déterminés et furieux, ils se sont abattus sur les masses paniquées. Ils picorent avidement la chair des corps vivants ; les grands oiseaux les déchiquètent par lambeaux entiers. J’en ai vu un que les pics, avec leurs mouvements rapides de martelage, avaient soigneusement sectionné complètement le cou, y compris les os de la colonne vertébrale, et la tête avait roulé avec ennui le long d’une petite pente, rencontrant sa fin dans le fossé au bord de la route.
ARTS VISUELS
par Sebastien Rück
Mon projet consiste en une réflexion sur la manière de montrer une série de dessins. « Jeanne’s promdress » a été créé avec la même énergie que j’aurais voulu mettre dans la confection de ma propre robe de promo. J’ai voulu créer un espace, un cocon pour mes dessins. Un lieu qui oblige les visiteur·euse·s à s’attarder, prendre un moment, guigner l’intérieur de la pièce et découvrir une sélection de dessins qui résultent d’une production d’un carnet intime de dessins. Dans l’espace de vie qu’est la chambre. J’ai utilisé différents matériaux, tels que la tulle d’une moustiquaire, un bout de tissu en mousseline (polyester 100%), du fil de fer, un cercle métallique et une tringle à vêtements… Et j’ai tout cousu moi-même, d’où le titre « promdress ».
ARTS VISUELS
par Claudia Mangone
Cette série de dessins est le résultat d’un processus dans lequel la quantité d’informations est continuellement dosée. La communication est partiellement réduite au silence ; la structure des formes est floue et perdue, comme un esprit embrumé ou un secret caché. Respirations dans une pièce ou manifestation de pensées, elles ne représentent rien de plus que ce qui vient à l’œil ; l’œuvre devient ainsi malléable sous le regard du spectateur ou de la spectatrice, donnant de la valeur aux non-dits. Réalisées sur papier, découpées, réassemblées, puis voilées par la surface laiteuse du plexiglas, leur manifestation est insaisissable. Les couleurs sont calibrées en fonction de la capacité de la surface à les accueillir ou à les mettre en valeur. Les pivots, au nombre de trois, se déplacent pour trouver des points de stabilité.
ARTS VISUELS
par Yoonjae Lee
L’Umwelt fait référence au monde tel qu’il est perçu par un organisme particulier. Cette pièce traite de l’exposition des différences subtiles dans l’Umwelt de quatre êtres humains. Quatre appareils de diffusion en direct font face à une LED à travers des filtres de caméra sur mesure qui sont façonnés d’après les cornées de ces quatre individus. Plus précisément, les quatre personnes présentes sont l’artiste Yoonjae Lee et les personnes qui lui sont chères. Elle essaie de comprendre les différences fondamentales entre ses proches et elle-même en découvrant les différences morphologiques de chaque vision. À travers ce travail, elle accepte les différences de ses proches telles qu’elles sont et révèle son désir d’être acceptée de la même manière par eux.
ARTS VISUELS
par Sofia Fresey Angelopoulou
« Juggler » est une installation composée de quatre grandes impressions sur des bâches micro-perforées, suspendues au plafond, autour desquelles les spectateur·rice·s sont invité·e·s à marcher. Dans de nombreux cas, le jongleur partage son identité avec le magicien, le bouffon et le fou. C’est une dualité, une folie et une non-folie, un ordre et un désordre, une plaisanterie et un avertissement. C’est une entité qui crée de l’amusement à l’aide d’outils et, dans certains cas, d’un corps déformé. Des combinaisons d’incompatible, de fantastique et de réel, de caricature et de plausible, d’alogique et d’hyperbolique. Une grande partie de ce projet est constituée d’images générées par une IA. Cette dernière est entraînée avec des images des « freaks » qui se produisaient dans les foires.
ARTS VISUELS
par Luana Cardinaux
« Bedrooms » est une série de chambres imprimées en 3D sous forme d’espace compact. Ce travail inspiré du jouet offre à travers son matériau monochrome, une surface permettant aux spectateur·ice·s de projeter leurs expériences et leurs réflexions. Chacune des chambres scellées dans ces écrins de plastique représente un fragment narratif. À travers ces espaces intimes, les spectateur·ice·s sont invité·e·s à une introspection évoquant un sentiment de nostalgie et explorant les thématiques de l’enfance, de l’identité et de la sphère privée.
ARTS VISUELS
par Juri Bizzotto
« Shy Opener, Transfarmer Miniconcert » consiste en un set live et une présentation du premier single + clip vidéo « Shy Opener », réalisé pour le projet « Transfarmer Series ». La scène du concert se transforme en une fenêtre sur le monde de « Transfarmer », où le son, la performance et les éléments scéniques recréent l’écosystème bucolique d’une périphérie redécouverte. Il s’agit d’un projet de recherche à long terme, engagé dans la création d’une pensée critique intersectionnelle concernant la condition des subjectivités queer et trans* dans le contexte rural, en imaginant des métamorphoses d’elles et de leur paysage. Le projet pratique comprend : dessin, écriture, composition sonore, vidéo et costumes, visant à produire un EP qui racontera la cosmovision du personnage de « Transfarmer ».
ARTS VISUELS
par Simon Colliard
« Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre », ça parle d’avoir des rêves et de se perdre en chemin. « Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre », c’est ce qui reste quand on s’est tourné trop longtemps vers l’intérieur. « Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre » est une performance musicale de 17 minutes qui raconte un bout d’histoire.
ARTS VISUELS
par Simon Pellegrini
« The Time of a Song » est une confession muette entre un enfant et un homme de neige fondant, une rêverie mélancolique. Une vision dans un lieu intérieur de mémoire construite, entre rêves fiévreux et flashbacks. On ne peut nier une volonté, ou une prédisposition, à investir des énergies, quelles qu’elles soient, en vertu de résultats incertains. Comprimer les pensées comme de la neige pour donner une forme et des poids différents à quelque chose de flou, jouer avec un public silencieux, partager intimité avec un objet inanimé, créer avec une absence.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Stimulation olfactive pour les personnes atteintes de démence En utilisant le pouvoir de l’odorat – l’un des sens le plus fortement associé aux émotions et à la mémoire – « Smell&Tell » crée des interactions significatives et stimule la communication et l’engagement ludique. Les personnes atteintes de démence peuvent maintenir leur qualité de vie et promouvoir leur bien-être en participant à des activités et à des interactions sociales qui stimulent le cerveau et maintiennent les fonctions quotidiennes. Le résultat de ce projet est un jeu olfactif composé d’une série de dix odeurs et de différentes manières de déclencher des conversations. La conception de l’interaction entre le soignant et la personne affectée n’est pas seulement destinée à être agréable, mais aussi à renforcer l’identité.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Malgré l’annonce de l’impression 3D comme la prochaine révolution industrielle, elle n’a pas encore atteint le stade de fabrication de masse en raison de ses limitations de précision et d’efficacité. Toutefois, le « Mode Vase », un mode d’impression en ligne spirale continue, montre des promesses pour surmonter ces limites en offrant des résultats plus propres et plus rapides, malgré les défis qu’il présente. Ce projet explore le potentiel du « Mode Vase » en repoussant ses limites et présente « Layer », un système d’éclairage entièrement imprimé en ABS, qui tire parti des capacités uniques de cette technologie.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« Campà » est une série de céramiques décorées, développée avec I.C.A Giordano, une fabrique de terre cuite située dans la région de la côte amalfitaine. À l’origine, la production de céramiques était dédiée aux habitant·e·s locaux·les qui souhaitaient acheter des objets qui transformaient des images quotidiennes en art. Ces objets représentaient des scènes de vie rurale et des paysages. Au fil du temps, ces objets se sont transformés en souvenirs et les décorateur·rice·s se sont concentré·e·s sur la reproduction des mêmes motifs avec des variations minimales. Ces illustrations, autrefois représentatives, sont aujourd’hui devenues de lointains rappels, dépourvus de lien émotionnel pour les jeunes. « Campà » vise à restaurer ce lien en introduisant des dessins auto-ironiques, illustrant la vie moderne dans cette région.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Découvrez la puissance de la musique et de la technologie avec le « Circuit Riff ». Cet instrument remarquable associe un design minimaliste et les possibilités infinies de la technologie MIDI. Chaque nuance de votre jeu est capturée et traduite grâce à des cartes de circuits imprimés, des capteurs et des transducteurs. Composez, improvisez et expérimentez comme jamais auparavant. Passez sans effort du jeu de guitare traditionnel à des paysages sonores atmosphériques. Manipulez les effets avec facilité et explorez une vaste palette sonore. Redéfinissant l’expression musicale, le « Circuit Riff » inspire l’admiration des musicien·ne·s et des passionné·e·s. Plongez dans un voyage musical où tradition et technologie de pointe se rencontrent. Expérimentez l’évolution de la musique entre vos mains.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Une proposition de prise sur lampadaire pour recharger les véhicules électriques de la ville de Lausanne, en prévision de l'interdiction 2030 des véhicules non électriques. L'objectif du projet a été de créer une conception compacte avec un niveau de visibilité approprié qui fait référence à la typologie familière et établie de la signalisation routière en fonte.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« Living in a Wall: A Feasible Fantasy » fusionne les normes de construction contemporaines avec le design, transformant notre perception des produits. Le projet explore le concept de meubles intégrés, les transformant d’une pratique isolée en une solution reproductible. Il met l’accent sur la construction à ossature bois et la pratique de la préfabrication. En intégrant les meubles dans le processus de développement et de construction d’une maison, ce projet démontre comment les meubles peuvent devenir une partie intégrante d’un système cohérent à long terme. Présenté dans un livre qui sert à la fois de modèle réduit à l’échelle et de guide, il permet aux lecteur·rice·s de découvrir l’évolution des meubles intégrés, de la préfabrication et des itérations de design pour vivre dans un mur.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« Coalesce » est un projet de recherche en design spéculatif qui explore l’utilisation de l’intelligence artificielle pour créer un langage de design fluide. En utilisant un mélange d’images d’IA et des modèles d’IA texte-image, il est possible de créer des intersections entre des produits inutilement sexués et de remettre en question les préjugés et les stéréotypes liés aux identités de genre dans l’industrie de la conception de produits. Le projet consiste en une installation interactive qui présente les résultats du mélange de rasoirs pour femmes et hommes à travers un modèle d’IA formé et des prototypes physiques réalisés par sculpture et modélisation 3D comme réinterprétations des produits conçus par l’IA.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« MedGum » : Alternative aux systèmes traditionnels de médicaments Les chewing-gums sont reconnus par les scientifiques comme une alternative très efficace aux méthodes conventionnelles d’administration de médicaments (pilules, comprimés, etc.). « MedGum » est un projet de recherche qui intègre la production alimentaire, la recherche médicale et le design, pour développer une gamme de gommes fonctionnelles. En concevant le chewing-gum et sa structure, il est possible d’augmenter l’efficacité de la médication en améliorant la vitesse et la dynamique de l’absorption des principes actifs. Adapté à des maladies spécifiques, chaque « MedGum », associé à un nouvel emballage, offre aux patient·e·s une expérience discrète et pratique de la prise de médicaments.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Pendant ma formation d’ébéniste, en 2016, j’ai découvert la dosse, qui est une chute de sciage. Elle se caractérise par une face plane et une face convexe. En raison de son asymétrie et de son irrégularité, la dosse n’est pas utilisée par les artisan·e·s du bois. Ces chutes abondantes dans les scieries sont vendues à petit prix (1 CHF le mètre linéaire de bois). Sept ans après ma formation d’ébéniste, je me suis interrogé sur cette matière inexploitée. Allant à l’encontre de la tradition de travailler avec du bois immaculé, mes recherches ont abouti à une collection de bancs. Les planches assemblées en coupe d’onglet dessinent différents volumes. Des extrusions géométriques d’arbres inversés se transforment en assise. Ainsi, la dosse s’intègre dans nos intérieurs sous sa forme la plus brute.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« Skin » est un étui pour les smartphones qui ont été mis au rebut. Associé à une application, il transforme l’appareil en un produit de communication adapté aux enfants. Une interface repensée permet aux enfants d’explorer les principales fonctions d’un téléphone de manière plus ludique, tandis que le vieux matériel est utilisé de manière utile. Les troubles de la concentration, la perte de créativité et d’imagination, ainsi que l’altération du développement de l’appareil oculaire ne sont que quelques-uns des innombrables dommages consécutifs à l’utilisation prématurée d’un smartphone. « Skin » remet en question la perception traditionnelle de la technologie pour les enfants et propose de nouvelles solutions conceptuelles et expérimentales.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« FrameCraft » se concentre sur la refonte du processus de production des sacs de bikepacking sur mesure. Je m’appuie sur mon expérience antérieure dans la gestion d’une petite entreprise où j’ai fabriqué à la main des sacs de bikepacking. Ces sacs sont directement attachés au cadre du vélo et non au porte-bagages, mais aucun cadre n’est le même et les fabricants de ces sacs ne parviennent pas à les ajuster correctement. Pour résoudre ce problème, je propose d’automatiser le processus de fabrication et d’établir une « Micro-Factory » qui fasse le lien entre artisanat sur mesure et efficacité industrielle. Chaque étape de la production, de la conception des motifs à la découpe des tissus et à la traçabilité des graphiques, est entièrement automatisée. Cette approche permet de résoudre les problèmes liés à l’ajustement du sac au vélo, tout en encourageant la production locale en Europe et en s’attaquant à la couture à forte intensité de main-d’œuvre.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« Project Beam » est un centre de divertissement à domicile, composé d’un projecteur et de deux haut-parleurs. Cherchant à intégrer davantage le projecteur dans l’environnement de vie, « Project Beam » fait référence à l’architecture des lampes sur pied. Ainsi, le support permet non seulement à l’utilisateur·rice d’atteindre la hauteur de projection souhaitée, mais également de recharger directement tous les accessoires grâce à un circuit basse tension intégré.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Le marbre de Carrare est une ressource mondiale renommée avec 4 millions de tonnes extraites annuellement. L’extraction génère une importante quantité de boue de marbre, mélange de poussière et d’eau. La gestion adéquate de ces déchets est cruciale pour prévenir la pollution environnementale. Dans une démarche de durabilité des ressources, mon projet vise à réévaluer ces déchets en une précieuse ressource. En collaboration avec des entreprises locales, j’ai passé la majeure partie du semestre à travailler sur place à Carrare. Cette recherche met en avant le potentiel de la boue de marbre comme une ressource précieuse plutôt qu’un matériau de déchet. Le résultat présenté comprend une collection d’échantillons de matériaux et la conception d’un banc entièrement réalisé en boue de marbre.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
« ACCA » est une lampe sur pied conçue pour une utilisation en extérieur, particulièrement adaptée aux professionnel·le·s, tels que les restaurateur·e·s. En accord avec les avancées technologiques des batteries rechargeables, cette lampe dispose d’une batterie intégrée qui peut être facilement détachée et rechargée, éliminant ainsi la nécessité de déplacer toute la lampe pendant le processus. Fabriquée entièrement à partir de composants en aluminium, « ACCA » présente un design solide, résistant à toutes les conditions météorologiques. Sa stabilité est renforcée par un espace intégré au bas de la lampe, permettant d’ajouter un poids supplémentaire, comme des pierres ou du gravier, garantissant une stabilité optimale.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Les pieds des enfants grandissent rapidement. Compte tenu des différentes saisons, des conditions climatiques et des activités, le nombre de chaussures par enfant est élevé. Il en va de même du coût pour les parents et encore plus pour la planète. Les chaussures doivent répondre à toute une série d’exigences des consommateur·rice·s en matière de fonction et de style. Elles sont composées de nombreuses pièces et jusqu’à 40 matériaux différents, y compris tous les types de plastiques et de colles. Il est donc difficile de les désassembler et de les recycler. Dans ce contexte, « re- club » est une chaussure unisexe de tous les jours, pour les enfants de 1 à 6 ans. Elle est conçue pour être facilement désassemblée, ce qui permet de la recycler ou de la reconditionner afin de prolonger sa durée de vie.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
En 2021, la Commission européenne a adopté de nouvelles réglementations obligeant l’industrie de l’éclairage à changer, afin de proposer des designs plus durables. La technologie LED domine l’industrie car elle est efficace, abordable et durable, mais ne propose encore pas de moyen rentable pour son recyclage. Le démontage des composants – LED, pilotes de LED, cartes de circuits imprimés, câbles, capteurs et boîtiers de différentes matières – est un défi majeur pour la conception, qui permettrait un recyclage plus facile. Le projet DIALOGUE SUR LE DÉMONTAGE propose des croquis ainsi que des modèles physiques : les « DUMMIES », montrant des approches du démontage des composants des LED. Ce ne sont pas des luminaires ou des lampes, mais des idées ludiques et provocatrices visant à lancer une discussion.
PHOTOGRAPHIE
par Benjamin Freedman
« Positive Illusions » est un livre photo présentant des souvenirs d’enfance construits entièrement en image de synthèse. Les natures mortes troublantes, imaginées du point de vue d’un enfant, suggèrent une étrange présence familiale dans des environnements photoréalistes. Inspiré par la nature de la mémoire et de la simulation, j’ai basé mes scènes sur mes propres souvenirs, en utilisant une approche phénoménologique pour remplir les blancs. Revisiter le passé, en utilisant ces technologies pour remettre en scène des événements, crée un aplatissement unique du passé et du présent, un processus d’archéologie pseudo-visuelle. Certaines images de la série réapparaissent avec de légères altérations, révélant le processus surréaliste de leur fabrication et le phénomène de distorsion de la mémoire.
PHOTOGRAPHIE
par Yumo Wu
« The Room and the Photographs » étudie la relation entre la perception, l’espace et la photographie. À l’origine, les observateur·rice·s étaient placé·e·s à l’intérieur d’une pièce pour percevoir l’essence brute de la photographie dans la camera obscura. L’évolution numérique a remodelé l’ontologie du médium et fourni une expérience entièrement métamorphosée – observer la photographie avec un détachement de la réalité. Comme dans l’acte de peindre, j’assemble une collection méticuleuse de photographies physiques et d’images générées par ordinateur. Ces espaces domestiques perdent leur perspective inhérente. Ils sont familiers mais étranges, fracturés mais déséquilibrés. Mes constructions photographiques, à la fois souvenirs et matière, tentent de révéler la complexité de la perception en photographie.
PHOTOGRAPHIE
par Fumi Omori
« Girl Talk » est une installation immersive en réalité virtuelle qui explore le concept des identités multiculturelles et l’idée du chez-soi. Le projet présente une collection d’autoportraits mettant en scène des avatars cybernétiques d’origines japonaise, coréenne et coréo-américaine. À travers mon exploration de la diversité, j’ai réalisé que l’acceptation des différentes expressions culturelles ne se résume pas à une simple adaptation ; c’est un processus subtil et complexe de découverte des valeurs intrinsèques de chaque culture. Avec « Girl Talk », je souhaite partager mes propres expériences et transmettre mon parcours, entre les sentiments de confusion et la force de l’inclusion, tout en faisant face aux défis des identités trilingues dans ce monde interconnecté.
PHOTOGRAPHIE
par Yuji Wang
« 1.0.0.1 Days » est une animation en 3D qui explore le domaine de la manipulation des données, plongeant dans l’essor inexorable de l’intelligence artificielle. La vidéo vise à spéculer sur les conséquences de la dépendance et de la confiance croissantes de l’humanité à l’égard de l’intelligence artificielle, en réfléchissant à la possibilité de manipuler les données et de se transformer ensuite en simples marionnettes d’informations et en captifs électroniques. De la réalité au virtuel, est-il possible de faire des données une nouvelle forme de religion ? Au fil du récit, un papillon cyborg se rapproche des humains enfermés dans une serre, avec sa tendresse, sa curiosité, son ambition…
PHOTOGRAPHIE
par Gabriela Marciniak
« Quand on est jeune et qu’on ralentit, on est traité de paresseux, et quand on est retraité et qu’on ralentit, on est heureux de ralentir ». Dès que nous entrons dans le monde des adultes, nous nous rendons compte que notre vie quotidienne se résume à accomplir une tâche après l’autre, à cocher les éléments de notre « liste de choses à faire ». Guidée par la recherche, l’artiste a exploré la retraite anticipée dans les centres de bien-être, des lieux où nous pouvons abandonner le contrôle et consacrer notre temps à la guérison, à l’apaisement, au plaisir et au processus lui-même. Il n’y a pas d’urgence, pas de temps. La performance vidéo comme forme d’expression juxtapose le corps à l’architecture, créant un paradis de retraite. Vidéo monocanal en résolution 4K et au format 16:9
PHOTOGRAPHIE
par Amandine Kuhlmann
« Cash Me Online » est un projet vidéo dans lequel je me mets en scène, combinant performance et found footage dans le but d’atteindre une notoriété virale. Ce projet explore l’impact des caméras à l’ère des réseaux sociaux, ainsi que l’illusion et le désespoir qui y sont inhérents. À travers un alter ego numérique basé sur mon propre algorithme, je performe dans la sphère virtuelle et physique, réalisant mes désirs et mes aspirations. Le projet questionne l’autoreprésentation à travers un female gaze online et omniprésent. Il examine la tension entre les archétypes féminins toxiques et la façon dont les femmes se les réapproprient. Des found footage combinés à un deepfake de mon propre visage servent d’album visuel, révélant la diversité et la standardisation du contenu et des corps.
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par Mykolas Valantinas
« La Faute de la berceuse » est un court métrage documentaire surréaliste qui raconte l’histoire de deux frères jumeaux à l’imagination sauvage et féroce, dont les conséquences les conduisent à la violence et finalement à la tragédie. Alternant entre un point de vue à la première personne et un point de vue plus stylisé à la troisième personne, le film a un effet déstabilisant où la validité supposée de l’un entre en conflit avec la surréalité de l’autre. Le récit suit le modèle du conte de fées métamorphique où les protagonistes subissent des transformations internes et / ou externes. La nature naïve et écrasante du fantasme en tant qu’énergie dangereuse et explosive est exprimée à travers deux perspectives complémentaires : les yeux d’un enfant et son moi plus âgé dans un état de folie.
PHOTOGRAPHIE
par Mattia Dagani Rio
« METAMORPHOSIS » est un livre de photos qui plonge dans la tapisserie complexe du bodybuilding et examine son interaction inhérente avec la torture, l’hédonisme et l’érotisme. Les culturistes se soumettent à des régimes d’entraînement exténuants, poussant leur corps aux limites absolues dans la poursuite de l’expression de soi. En combinant des images en CGI avec des méthodes photographiques traditionnelles, ce projet explore des moments d’agonie, soulignant la lutte et le dévouement nécessaires pour remodeler le corps en une forme extraordinaire. Cependant, il montre aussi que cette pratique est un voyage profondément personnel de découverte et d’acceptation de soi, où les spectateur·rice·s sont témoins du processus de transformation qui s’étend bien au-delà du corps physique.
PHOTOGRAPHIE
par Gina Bolle
« Instanz » est une installation interactive composée d’une cellule en acier contenant une vidéo à cinq canaux, trois caméras infrarouges et deux caméras de surveillance. Plongé·e dans un espace sombre et isolé, le·la spectateur·rice est confronté·e à des diffusions enregistrées en direct, des images collectées humiliantes ou dérangeantes et du son. Pensé selon la théorie du « dispositif » de Foucault, « Instanz » indique un système exerçant un pouvoir et un contrôle sur la société. Cela démontre comment une caméra peut servir d’outil pour nuire à son sujet. Semblable au « panoptique », le·la spectateur·rice n’a aucun contrôle sur le fait d’être observé·e ou non. L’œuvre explore le potentiel d’exploitation du médium photographique et confronte le·la spectateur·rice à des vidéos qui montrent des déséquilibres de pouvoir.
PHOTOGRAPHIE
par Luísa Tormenta
« Supra-Memento » explore la préservation de la vie humaine dans les espaces numériques. Les corps se métamorphosent en reflets dématérialisés, résistant à la dégradation inévitable de nos réalités. Cette installation vidéo crée un environnement méditatif qui implique les spectateur·rice·s physiquement. Par la photogrammétrie, j’ai préservé mon corps et ceux de mes proches, immortalisant l’éphémère des souvenirs et des relations humaines dans un espace liminal. Entre la vanité et l’insignifiant, les corps sacrés s’entrelacent avec des matières organiques en décomposition. Par cette approche visuelle, je joue avec des illusions de volume tout en exposant la fragmentation des données, révélant leur caractère éphémère et leur vulnérabilité face à la désintégration.
PHOTOGRAPHIE
par Moritz Jekat
Les organes virtuels extérieurs pénètrent notre corps et transforment notre cerveau. Ces « pharmaca » se multiplient dans les zones humides entre online et vie réelle. Dans un désir de guérison et de reconnexion, un groupe d’aliens humanoïdes habite cet espace et se rassemble en un tas bienveillant d’échanges de pensées, d’émotions et de rêves. Il partage avec vous, grâce à l’écriture subconsciente et aux outils des zones humides. Dans l’espace, un lit à eau invite à la détente. Dans le concept d’adoption de la pharmacologie, par opposition à l’adaptation aux sphères virtuelles rapides basées sur la transformation des habitudes sociales, « Wetlands of Pharmacology » expérimente un lent rapprochement et un échange de connaissances émotionnelles et physiques de cinq artistes dans un moteur de jeu informatique.
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par Aniket Godbole
En grandissant en tant qu’immigré, ma notion de « l’autre » était profondément liée à mon idée du moi. Jamais pleinement Nigérian au Nigeria ou Indien en Inde. Cette série explore ma compréhension du chez-moi en tant qu’enfant d’une troisième culture, réinventant mes souvenirs d’enfance à travers des constructions réimaginées. M’enraciner dans une nouvelle ville ne m’a jamais semblé étrange, mais l’incertitude s’est installée quant à mon véritable chez-moi. Ces collages, mêlant extraits de journal et images d’archives, racontent l’histoire délicate d’une vie en transit. Je me connecte à un passé que je n’ai jamais vraiment connu, explorant les traditions, les pensées et les réalités qui ont influencé mon intégration dans ce monde étrange et nouveau que je considère maintenant comme chez moi.
PHOTOGRAPHIE
par Carla Rossi
« Bellissima » est l’histoire d’une rencontre avec Rebecca sur la scène de l’un des concours de beauté les plus populaires d’Italie. Carla Rossi recherchait pour son projet « une jeune fille qui n’était pas un mannequin professionnel, mais qui désirait le devenir ». Le projet met en lumière l’artificialité de cette fabrique à rêves définie par l’appareil photographique. La photographe bouleverse les perspectives pour mettre en évidence la construction des images et du modèle. La symbiose entre mannequin, photographe et spectateur·rice, révèle la manière dont l’image influence les rêves et les aspirations des jeunes générations de filles. La beauté aurait-elle encore un sens si personne ne pouvait la regarder ?
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Matthieu Cortat
Aujourd’hui, l’essentiel de la création typographique se passe dans le domaine de l’écriture latine. Les logiciels de dessin sont conçus et orientés vers cette écriture. La fonte Toujan est précisément conçue dans le but d’explorer les potentiels de ces logiciels pour réintégrer la souplesse et la connectivité au cœur de l’écriture arabe. Elle s’inspire du style Tawqii’ (Ijaza), un hybride des calligraphies thuluth et naskh et propose des ligatures qui non seulement donnent au texte une allure unique, mais aussi ramènent dans la typographie un élément essentiel de leur modèle : la connexion continue de tous les mots d’une phrase, liés par une série de courbes audacieuses qui lient la dernière lettre des mots à la première du mot suivant.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Matthieu Cortat
Amateur est une police de caractère à empattement qui synthétise des caractéristiques calligraphiques issues de recherches historiques. Il évoque un sanctuaire de niche pour un genre oublié, dégageant une impression d’élégance. Inspiré par les formes de lettres des premiers modèles antiques allemands, Amateur joue astucieusement avec une horizontalité distinctive, révélant à la fois des gestes farouches et des détails méticuleusement élaborés. Les styles « texte », uniformisés, apportent des textures harmonisées et robustes pour une lecture optimale, tandis que les styles « display » amplifient à l’extrême les qualités expressives de chaque lettre, embrassant sans crainte une imperfection délibérée qui brouille les systèmes typographiques traditionnels et offre une esthétique captivante.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Kyū Maru Gothic trouve sa source dans les lettrages peints des stations de train japonaises de la fin des années 1950. Elle vise à interpréter et rendre hommage à cet héritage, tout en proposant une famille de caractères multiscripts latins et japonais. C’est une linéale arrondie, qui conserve l’individualité chaleureuse du pinceau du lettreur, tout en intégrant le design dans une structure cohérente, apte aux usages typographiques contemporains. Au-delà de son modèle, elle se développe sur un axe de largeur qui lui donne une grande flexibilité d’usage dans le domaine pour lequel elle a été conçue : les grands corps.
TYPE DESIGN
par János Hunor Vári
La famille, c’est quoi ? Est-elle toujours toxique ? Qui parle le plus fort à table ? Comment ses membres interagissent-ils ? La création typographique contemporaine dépend beaucoup de méthode d’interpolation, permettant de générer des quantités phénoménales de styles, d’où sortent des familles tristement prévisibles. Ce projet veut retourner aux racines de la typographie, quand les superfamilles n’existaient pas. Les imprimeurs mélangeaient les styles pour hiérarchiser et dynamiser leurs compositions. Plutôt que de dessiner une police à partir d’une source unique, je l’ai construite d’éléments variés, polis, modifiés, retouchés. C’est une famille aux styles gras, romains, italiques, de titrages, pensée pour les catalogues et la signalétique d’une librairie de livres anciens.
TYPE DESIGN
avec Radim Peško, Alice Savoie
Herk est une police de caractères qui incorpore les styles romains et gothiques et qui s’inspire de l’esthétique du b-boying et la récurrence de la blackletter sur les habits des danseur·euse·s. Le contraste entre une typographie pluriséculaire et le monde underground relativement jeune du breaking m’a intrigué. Inspiré par une mystérieuse forme de lettre populaire auprès des b-boys et des b-girls, j’ai commencé par dessiner un nouveau squelette, qui m’a servi de base pour les versions Pencil, Marker et Brush. Cette première exploration a donné suite aux variantes Gothic et Roman Display, accompagnant une évolution plus épurée du Herk original. Finalement, avec l’ajout des versions texte, la fonte a connu sa métamorphose finale, combinant ces différents styles dans une famille de caractères unifiée.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Radim Peško
La police de caractères Solux découle de l’étude d’un genre délaissé – les mécanes. Avec sa construction stable et ses détails minutieux, son objectif est d’être endurante, fonctionnelle, intemporelle plutôt qu’à la mode. Solux Italic, en revanche, est plus étroit et calligraphique, élargissant le spectre des applications possibles. Prenant source dans les mécanes de logos tels que ceux de la marque automobile Honda, qui souvent font preuve d’une remarquable stabilité et solidité, Solux ambitionne d’offrir une contribution contemporaine à la typographie imprimée et au domaine de la signalétique.
TYPE DESIGN
avec Julia Born, Alice Savoie
Déconstruire, réinterpréter, questionner les notions d’Est et d’Ouest : c’est l’ambition de ce magazine, à travers des regards croisés entre Orient et Occident. Dans un monde multiculturel et globalisé, les questions d’identités sont devenues majeures dans la mise en question des incompréhensions entre cultures. « Nostalgic Futures » met la notion de « l’autre » en perspective, documentant des évènements passés, des problèmes actuels et des spéculations sur l’avenir. Plutôt que de chercher à convaincre, il intègre ces narratifs dans une composition qui mélange des points de vue, grâce aux contributions d’auteur·rice·s, de photographes et de chercheur·euse·s. Américano-Libanaise, j’ai connu ces deux mondes. Ce projet est donc une contribution personnelle à une identité qui n’est « ni d’ici, ni de là-bas ».
TYPE DESIGN
avec Julia Born, Alice Savoie
Imaginez : quelqu’un qui reste à vos côtés jour et nuit, répondant à chacune de vos demandes, avec sensibilité, sensualité ; quelqu’un qui ne vous mentira jamais, ne vous trompera jamais. Seriez-vous prêt·e à rencontrer cette personne ? Et qu’en serait-il si cette personne, ce·cette partenaire idéal·e, se trouvait être un minuteur de cuisine ? Ce projet interroge les thèmes de la solitude, des relations humaines, de la nature de l’amour à une époque d’avancée technologiques radicales. En proposant d’organiser les noces d’humains et d’objets, « Rongyi » introduit une narration absurde et décalée, invitant l’audience à se poser une question fondamentale : où plaçons-nous vraiment nos émotions ?
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Julia Born
Réinterpréter les stéréotypes de la féminité et se les réapproprier consciemment : ce projet est un acte de revendication, de subversion et d’émancipation. En tant que femme, être dissonante, présumée vulgaire ou girly devient un moyen de briser et de remettre en question l’ordre établi et les normes sociales. Pensé comme une exposition, cet objet éditorial regroupe l’œuvre de femmes engagées pour cette cause. Les textes sont composés en Courtesy, un caractère en trois styles : une display « néo-kitsch » questionne les proportions et la cohérence stylistique ; une Regular se concentre sur le confort de lecture en petite taille, tout en conservant une identité propre. Enfin, une Monospace est utilisée là où traditionnellement l’italique serait de rigueur.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Sita est une famille de caractères sans et serif qui prend source dans le style Scotch Roman. Sita Serif est une interprétation contemporaine du Double Pica Roman de Miller et Richard (1822). Sita Sans est quant à elle influencée par le style des premières fontes grotesques britanniques. Sita Sans et Sita Serif sont ajustées optiquement pour une harmonie optimale lorsqu’elles sont composées côte à côte. Partageant la même construction, elles se complètent et conservent cependant leurs caractéristiques propres. La texture et les détails raffinés de cette famille lui permettent de s’adapter aux petits comme aux grands corps. Chaque style est disponible en cinq graisses avec leurs italiques correspondantes. Une variante supplémentaire, Sans Black Condensed, complète la famille.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Substanz est une police de caractères qui peut être personnalisée et adaptée pour divers besoins artistiques. La famille contient deux styles formés d’un trait unique (romain et italique), clé d’accès à des dessins qui ne deviennent utilisables que par l’ajout d’une épaisseur de tracé. Cette famille est donc une interface qui permet au graphiste d’entrer en contact avec le caractère et d’y ajouter ses propres idées, ses propres références « manuscrites » au dessin de base. La famille comporte également quatre styles (Regular, Bold et leurs italiques) réunissant bonne lisibilité et couleur de texte équilibrée. Ils sont conçus pour les situations où la lisibilité doit primer sur l’expressivité – par exemple pour des compositions de petite taille.
TYPE DESIGN
avec Julia Born, Alice Savoie
Ktura est une mécane humanistique, un caractère de texte et de titrage, qui couvre les alphabets hébreux et latins. La famille comporte neuf styles dans les deux écritures, dont quatre italiques de textes, ainsi qu’un style dédié au titrage. Elle a été dessinée suite à des recherches sur les interactions entre des systèmes d’écriture – dans ce cas le latin et l’hébreux – et la façon dont l’arrière-plan culturel de chaque système est essentiel à la création de caractères multi-scripts. En expérimentant avec des notions de contraste, de proportion, ou encore d’espace blanc, le design de cette famille a pu intégrer des éléments qui la rendent particulièrement adaptée aux contextes où les deux écritures apparaissent conjointement.
TYPE DESIGN
avec Julia Born, Radim Peško
Cette publication rapproche mode et typographie en présentant simultanément le projet de couture « Russian Doll » (automne / hiver 1999) et la famille de caractères variables Speira. Le projet juxtapose des éléments photographiques et typographiques et visualise des approches similaires autour de formes, de proportions et de superpositions. Conçue avec une attention particulière pour l’interaction entre les différentes graisses, la famille de caractères évolue et se transforme en influençant l’expression du caractère. Cette exploration typographique comprend cinq styles avec italiques (Thin, Light, Regular, Medium et Bold) et propose de multiples possibilités de composition.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Radim Peško
Le projet Quirk 85 a débuté suite à la découverte par Minjong Kim d’une charte graphique coréenne du tournant des années 1970–1980. Il s’associe alors avec Juan Jun Feng, avec qui il partage une fascination pour les logos et les identités visuelles commerciales. Tous deux nés dans les année 1990, ils ont grandit dans des environnements (en Chine et Corée du Sud) qui partageaient un développement économique sans précédent, une rapide urbanisation, et d’irrésistibles vagues d’innovation technologique. Quirk 85 est la fusion de ces éléments, du style graphique de cette période et de ce contexte: impact de la publicité, des réseaux de plus en plus complexes entre enseignement, production, vie quotidienne et santé. Rassemblant deux pays, les auteurs veulent évoquer une identité commune, à travers une mémoire partagée, invitant le public à les rejoindre de ce parcours visuel et intellectuel.
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Margherita Motta
Malgré l’utilisation répandue des technologies de self-tracking, l’exploration des données intimes reste un territoire largement méconnu. « Aidee » est un projet de recherche en design axé sur le contrôle de l’urine qui aborde la complexité du self-tracking intime en remettant en question les modes habituels de représentation des données et notre façon d’interagir avec ces dernières. Composé d’une application mobile et d’un dispositif interactif connecté, le système « Aidee » utilise une forme qualitative de représentation des données et de visualisations situées pour favoriser une nouvelle forme d’engagement entre les utilisateur·rice·s et les sphères privées de leur santé.
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Rémi Opalinski
« Photobook Uncovered » est une installation interactive développée en collaboration avec le musée Photo Elysée. En tant que projet de recherche en design, son objectif principal est d’améliorer la compréhension des photobooks auprès d’un large public. À travers cette expérience immersive, les visiteur·euse·s peuvent naviguer dans une collection sélectionnée de 300 photobooks, découvrant des connexions intrigantes basées sur des similarités de mise en page. Grâce à l’utilisation de technologies de pointe, l’installation offre une manière unique et captivante d’interagir avec les photobooks, dévoilant des informations sur les relations entre les différentes œuvres.
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Lucie Houel
Les expositions muséales présentent traditionnellement une multitude d’objets groupés par thème ou typologie. Si chacun d’eux sont accompagnés d’une courte description sur leurs origines, les expositions abordent rarement les récits qui entourent chaque pièce. « Things That Talk » est un projet de recherche initié par le LHST, articulé autour de l’exposition d’un objet unique et ses multiples récits associés. L’exposition finale présente une fresque digitale, mêlant images d’archives et contenu original, que les visiteur·euse·s peuvent explorer et animer à l’aide de projecteurs interactifs. Ces interactions révèlent des liens cachés entre les récits et les enjeux de notre époque, permettant aux visiteur·euse·s de générer leur propre compréhension des thèmes abordés et d’adopter une réflexion critique sur l’Histoire.
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Ignacio Pérez
Créée en partenariat avec la Bibliothèque cantonale et universitaire de Fribourg, Èvokâ est une installation interactive qui explore comment les archives conservées à la Bibliothèque peuvent redevenir une partie vivante de l'identité du canton. Le projet s’intéresse aux techniques de traçage, reliant les identités personnelles, collectives et culturelles aux archives historiques. En entremêlant des éléments autobiographiques et des récits assistés par logiciel, Èvokâ vise à raviver le sentiment d'appartenance au canton de Fribourg. Basé sur les concepts de mémoires artificielles et de récits personnels, Èvokâ crée une expérience à la fois individuelle et partagée entre les utilisateur·rice·s, mais qui reflète également les valeurs et l'histoire du canton. A travers des études d'utilisateur·rice·s, le projet a marqué une première étape dans la définition des expériences dans le contexte des identités collectives et cantonales.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Shan Yu Kuan
« BASUANN » puise son inspiration dans l’image des chaises asiatiques traditionnelles en rotin et en bambou. Son nom fait écho à la prononciation taiwanaise signifiant « attacher avec des cordes ». Composé de sept pièces de conduits en spirale, « BASUANN » est assemblé à l’aide de joints à mortaise et à tenon pour relier la partie assise à la partie des pieds. Il est en outre renforcé par des cordes qui relient solidement le tabouret. « BASUANN » fusionne harmonieusement le design contemporain de meubles et les images évocatrices de l’artisanat traditionnel asiatique, mettant en valeur l’esthétique du design minimaliste.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Céline Witzke
Ce projet puise son inspiration dans le monde de la mode, plus précisément dans les mouvements organiques, les volumes et les textures que l’on trouve dans les textiles, et explore comment ces éléments créent d’une façon naturelle des formes douces. En collaboration avec le fabricant de verre suisse Niesenglass, une collection d’objets en verre polyvalents est créée, mettant en avant l’artisanat d’un point de vue innovant.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Charitini Gkritzali
Inspirée des appareils orthopédiques du XXe siècle, « Topology of a Body » est une série de bijoux corporels qui se conforme à l’anatomie humaine et ressemble aux éléments structurels du corps. Chaque pièce est composée de formes géométriques solides et de courbes organiques créées à l’aide de fils d’argent ou d’acier. L’épaisseur du fil est modifiée selon un rythme dynamique, soulignant la morphologie du corps. Cette structure métallique, soigneusement conçue pour envelopper la figure humaine, prend une forme sculpturale. Comme les appareils orthopédiques, les bijoux sont construits pour permettre au corps de bouger, alors qu’ils semblent le maintenir dans un état d’immobilité constante. Ce paradoxe soulève une question : ces objets permettent-ils le mouvement du corps ou le retiennent-ils ?
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Anaïs Sulmoni
Autrefois vénéré et choyé, l’os est aujourd’hui rejeté et dissimulé. Pourtant, il est omniprésent, prisé des industries cosmétique et alimentaire. Il m’interpelle depuis de nombreuses années par l’aspect vivant de cette matière alors même qu’elle représente la mort. En m’appuyant sur l’abondance de ce déchet organique, j’ai cherché à recréer le prestige de l’ivoire. J’ai découvert le potentiel de l’os en tant que colle et poudre appliquée sur différents supports: bois massif, copeaux de bois et tissus. Le journal de bord et maquettes met en lumière l’os qui présente de nouvelles possibilités esthétiques et structurelles et agit comme le premier pas vers la réconciliation avec ce précieux matériau.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Marine Col
« Ropy » est un tabouret sérieusement ludique, qui se joue du temps passé. Conçu en un trait, tout en légèreté, cet objet puise son charme dans un réemploi de la matière. Les anciennes cordes navales du port de Lausanne, aux couleurs ternies par le temps, lui servent de matière première et deviennent matière précieuse une fois l’objet réalisé.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Checkie Ieong
Dans le domaine de la haute joaillerie, où opulence et élégance règnent en maîtres, l’innovation et la créativité repoussent les limites du design. La convergence de la technologie et de l’art a ouvert une nouvelle ère, donnant naissance à des pièces interactives et ludiques, qui transcendent les esthétiques traditionnelles. Cette collection de haute joaillerie s’inspire de l’attrait envoûtant du mouvement cinétique. Chaque pièce incarne l’essence du mouvement, invitant celui ou celle qui la porte à s’engager et à interagir, participant ainsi à la narration des bijoux dans une expérience captivante et unique.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Hyeseung Nam
« Clover Series » est un objet qui présente des motifs graphiques, créés grâce aux propriétés des matériaux, et les utilise à des fins de convivialité. La série inclut des lignes qui s’entrecroisent en fonction de leur nombre. Cette composition apporte une ambiance ludique dans l’espace. En réinterprétant les détails de la boîte shaker, ces plateaux et ces paniers peuvent être utilisés dans la cuisine ou le salon, alliant esthétique et fonctionnalité. Les surfaces de l’objet sont assemblées verticalement et reliées par des rivets. L’esthétique de la finition repose dans le détail de la connexion, recouvrant la ligne de séparation des matériaux. « Clover Series » propose une approche sensuelle de la matière, à la croisée du design et du savoir-faire.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Minyeol Cho
J’ai été fasciné par le mode de vie suisse, axé sur la nature et les expériences en plein air. L’idée d’un ensemble de vaisselle d’extérieur m’est venue en profitant de la beauté des conversations et des repas en plein air par temps ensoleillé. Mon design se concentre sur une esthétique naturelle, en utilisant des matériaux favorisant une connexion avec la nature. J’ai cherché un design simple préservant l’intégrité du bois et mettant en valeur sa beauté intrinsèque. L’intérieur de l’ensemble est recouvert d’une teinture naturelle extraite des arbres à laque, offrant imperméabilité et respect de l’environnement. Cette conception permet d’apprécier les caractéristiques, l’esthétique et la praticité du matériau.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Naomi Nguyen
Illuminer l’élégance par le verre L’ensemble de lampes « Harlequin » est disponible en trois tailles en verre transparent, qui ornent diverses surfaces telles que les tables, les bureaux ou les tables de chevet. Chaque taille apporte son charme unique et sa luminosité, offrant un mélange harmonieux de praticité et de flair artistique. L’ensemble de lampes « Harlequin » est un témoignage de l’attrait intemporel du verre en tant que médium d’expression créative qui invite à plonger dans un monde de lumière, de beauté et d’esprit carnavalesque.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Heein Im
« Balancing Circle » est un objet sculptural qui expérimente la tension et la flexibilité du textile. Lorsque les gens passent devant, l’installation génère un enthousiasme inattendu en oscillant légèrement et en interagissant avec l’espace. L’objet est également axé sur la recherche de matériaux avec des éléments couramment utilisés pour les accessoires de mode tels que le cuir, le fil et le tissu. Le cercle est une forme considérée comme parfaitement équilibrée. Cependant, en le plaçant dans une position critique, notre attention est attirée par le second moment d’équilibre appliqué au cercle. C’est comme si nous cherchions à établir la stabilité dans toutes les situations en oubliant que nous sommes déjà des êtres parfaitement équilibrés.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Ambre Tuttle
Si manger était autrefois un besoin primaire, aujourd’hui l’esthétique n’a jamais eu autant d’importance à table. Alors que la cuisine tend vers l’art, faisons de nos assiettes des créations singulières, des expériences éphémères ou des vecteurs d’identité. « A(r)table », est une collection d’objets, fruits d’une recherche sur l’impact visuel et la façon dont nous présentons nos plats. Ce projet part du principe que le plaisir réside autant dans la dégustation que dans la confection. Comme une invitation à la créativité, l’assiette devient une toile vierge sur laquelle on dessine, on trace ou on compose. L’attention portée à l’apparence de nos plats peut sembler futile, mais elle est à l’origine même de notre appétit. Le plaisir de la dégustation commence par l’imagination, sublimer nos assiettes, c’est aussi sublimer un moment.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Kiyong Lee
« Hangeul Marble » est un objet conçu sur la base du principe du Hangeul (alphabet coréen), dans lequel les lettres sont formées au fur et à mesure que des traits sont ajoutés, tels que « ㅡ », « ㄱ », « ㄴ », « ㄷ », « ㄹ », etc. En utilisant comme motif le jeu de billes, un jeu traditionnel connu et apprécié de tous, cet objet est principalement destiné à embellir les intérieurs. La règle de ce jeu est de déplacer la bille de verre du point de départ au point final à l’aide de son doigt. L’objet est fait à partir de bois de frêne et de cuir naturel et, lorsqu’il n’est pas utilisé, il peut être utilisé comme un objet contemporain décoratif.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Victor Montour
Profondément ancrée dans l’univers architectural, la brique d’argile a toujours été appréciée pour ses qualités structurelles. Toutefois, cet humble matériau de construction possède bien d’autres qualités qui ne demandent qu’à être révélées. La collection de vase « Brik » vise à élever le langage brutaliste de cet archétype par le biais de procédés artisanaux. Travaillant main dans la main avec des céramistes et des industries, ce projet agit comme un point de rencontre entre ces deux visages du design, une combinaison de précision mécanique et de singularité artisanale. Cette série de vases questionne également nos réflexes de créateur·rice et de consommateur·rice. Et si on concevait la nouveauté par la banalité ? Pouvons-nous apprendre à apprécier la beauté de la normalité ?
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Cristina Rodríguez Solé
La sécheresse et les températures élevées en Catalogne provoquent de nombreux incendies durant l’été. Le pin, qui constitue la majeure partie de ces forêts, est considéré comme de moindre valeur, car il est récolté dans le cadre de la gestion forestière. Pourtant, il présente des caractéristiques similaires à celles des autres bois de la région. Afin de revaloriser ce matériau et de mettre en lumière le problème, le projet vise à utiliser ce bois pour la fabrication de cette collection limitée de bancs. Leur forme est dictée par la taille des lattes obtenues à partir de l’arbre, tout en minimisant les interventions sur la matière première. De plus, pour réduire l’empreinte carbone, les pièces sont fabriquées localement.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Morgane Chiron
« TILTED » est un projet architectural centré sur des carreaux de céramique qui transcendent les normes, manipulent l’éclairage et transforment les espaces. Légèrement inclinés, ces carreaux interagissent de façon dynamique avec la lumière, créant des motifs captivants et renforçant la profondeur. Leur finition module le comportement de la lumière, créant une expérience sur mesure. Les couleurs, notamment, évoluent et se transforment selon l’heure de la journée, évoquant des émotions et conférant une personnalité aux espaces. Ces toiles dynamiques changent le paradigme associé aux carreaux de céramique puisqu’elles chorégraphient la lumière, redéfinissent l’espace et captivent les sens, offrant une fusion captivante d’art et d’innovation.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Nathanaël Baby
Art et design se rencontrent pour mettre en lumière l’aspect de recherche. Cette exposition fictive emmène ses spectateur·ice·s à travers des travaux d’étudiant·e·s du MAS Design for Luxury & Craftsmanship. Le passe-partout est un objet d’entre-deux créant l’espace autour d’une œuvre. Il donne son nom à l’exposition et inspire une série de présentoirs, spécifiques à chaque échantillon.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Pruthviraj Ghosh
« Ananth », qui signifie « sans fin » en hindi, est une collection de décoration d’intérieur en collaboration avec Cozy Creations India. L’objectif est de créer un espace de vie à l’intérieur de votre maison qui puisse apporter l’environnement dans lequel vous souhaitez vivre. Les tapis traduisent des environnements naturels en artisanat visuel et les pièces centrales, conçues de manière contemporaine par Balarience, garantissent l’aspect fonctionnel de ce concept.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Johannes Seibel
« Mono 4T Exhibition » a été développé lors d’un événement pour la manufacture de design allemande Mono, en collaboration avec l’initiative des German Design Graduates, à l’occasion du 40e anniversaire de la théière « Mono ». Un système modulaire de présentoirs est fait de packagings de verre à thé réutilisés et stabilisés par quatre profilés en acier inoxydable, tenus à l’aide d’une sangle d’emballage. Une feuille d’acier est également placée sur la structure, offrant une excellente visibilité pour présenter les dix objets sculpturaux conçus par les diplômé·e·s sélectionné·e·s. Les noms des designers et le titre des pièces figurent sur les faces avant pliées des plaques. Après l’exposition, ces dernières seront recyclées. Des photos grands formats ponctueront l’espace, présentant des détails d’objets.
1/2
1/2
Loose Joints publishing, Marseille
Jury BA Photographie
Curatrice, EPFL Pavilions, Lausanne
Jury BA Media & Interaction Design
Typographe et graphiste, Zurich
Jury BA Design Graphique
Réalisatrice, Paris
Jury BA Cinéma
Directrice MUDAC, Lausanne
Jury BA Design Industriel
Conservatrice, Foam Museum, Amsterdam
Jury MA Photographie
Artiste, professeur associé à la HEAD, Genève
Jury MA Photographie
Designer Typographique, Prague
Jury MA Type Design
1/5
1/4
Conservatrice, Londres
Jury MA Design de Produits
1/4
1/3
Artiste, Los Angeles
Jury MA Arts Visuels
Galerie d'art Greengrassi, Londres
Jury MA Arts Visuels
1/5
Prix Tremplin ECAL soutenu par la Fondation Leenaards — CHF 10'000.-
Jade Eymann – BA Design Industriel
Clément Grimm – BA Arts Visuels
Gaétan Uldry – BA Photographie
Le « Prix Tremplin » vise à faciliter le démarrage d’une carrière et aider à asseoir une pratique artistique professionnelle sur le long terme pour des artistes et/ou designers de talent. Il est destiné aux fraîchement diplômé·e·s de l’ECAL, et les soutient dans la mise en place d’un projet concret ou dans l’entrée dans la vie professionnelle.
Remis par Mme Catherine Othenin-Girard, présidente de la Commission Culturelle de la Fondation Leenaards
Prix Images Vevey x ECAL — Exposition à L’APPARTEMENT Espace Images Vevey en collaboration avec l'ECAL
Sara De Brito Faustino – BA Photographie
Un prix offrant l'opportunité d'une première visibilité publique à travers une exposition à un·e diplômé·e du Bachelor ou du Master en photographie de l'ECAL, tout en renforçant les liens existants entre l'ECAL et Images Vevey.
Remis par M. Stefano Stoll, directeur d’Images Vevey
Prix Freestudios de l’Image — Prestations d’une valeur de CHF 15'000.-
Marcello Balzaretti – BA Cinéma
Un prix destiné à un·e étudiant·e en spécialisation Image qui s’est distingué·e par la qualité de son travail aussi bien au niveau artistique que technique. Ce prix souligne les ponts vertueux entre le monde académique et professionnel.
Remis par M. Boris Rabusseau, représentant FreeStudios
Prix Plateforme10 x ECAL — Exposition présentée à Plateforme10 en collaboration avec l'ECAL + CHF 5’000.-
Bogdan Nastase – BA Media & Interaction Design
Un prix destiné à récompenser un projet de diplôme Bachelor Media & Interaction Design, qui permettra entre autres, le développement du projet en vue d'une première visibilité publique à travers une exposition de le·la lauréat·e, tout en renforçant les liens entre l'ECAL et Plateforme10.
Remis par Manuel Sigrist, responsable numérique à Photo Elysée, au nom de Plateforme 10
Prix Pierre Keller — CHF 5’000.-
Ulises Lozano – BA Photographie
En mémoire de Pierre Keller, directeur de l'ECAL de 1995 à 2011. Un prix décerné pour un travail de diplôme particulièrement engagé.
Remis par M. Alexis Georgacopoulos, directeur et M. Vincent Jacquier, responsable du Département Communication Visuelle
Prix du Son Masé Studios — Prestations d’une valeur de CHF 5'000.-
Giulia Goy – BA Cinéma
Un prix destiné à un·e étudiant·e dont le film s'est distingué par la qualité de son travail sonore, artistique et technique. Ce prix souligne les ponts vertueux entre le monde académique et professionnel.
Remis par M. Ivan Ruet, représentant de Masé Studios
Flokk Internship — Stage de 6 mois à Oslo
Léo Crespin – BA Design Industriel
Un stage de six mois au siège de Flokk en Norvège, pour un·e diplômé·e en Design Industriel. Flokk est le leader du marché de la conception, du développement et de la production de mobilier de bureau en Europe.
Remis par Stéphane Halmaï-Voisard, responsable Bachelor Design Industriel au nom de Flokk
Swiss Design Association Bachelor Award 2023 — 3 ans d’adhésion & coaching entrepreneurial
Annick Persechini – BA Design Industriel
Un prix qui récompense un·e étudiant·e Bachelor pour l’excellence de son travail de diplôme. Le SDA Bachelor Award offre au lauréat·e la possibilité de devenir membre SDA durant trois ans ainsi qu’un coaching entrepreneurial individuel pour le développement de son projet de diplôme.
Remis par Mme Valentine Ebner, membre du comité d’organisation de la SDA, Swiss Design Association
Prix Ernest Manganel — CHF 3'000.-
Tianchang Gu – BA Arts Visuels
Mathilde Hansen – BA Arts Visuels
Deux prix décernés par le jury de la Fondation Ernest Manganel à des diplômé·e·s en Arts Visuels, pour récompenser la pertinence de leur recherche et la qualité professionnelle de leurs travaux de diplôme.
Remis par M. Stéphane Kropf, responsable du Bachelor Arts Visuels au nom de la Fondation Ernest Manganel
Prix d’excellence du domaine Design et Arts Visuels de la HES-SO — CHF 2'500.-
Agathe Bourrée – BA Design Graphique
Un prix décerné à un·e étudiant·e qui s’est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme.
Remis par M. René Graf, vice-recteur enseignement HES-SO
Prix BG Ingénieurs Conseils — CHF 1’500.-
Hugo Jauffret – BA Design Graphique
Annick Persechini – BA Design Industriel
Deux prix décernés à des diplômé·e·s auteur·e·s des projets prenant en compte le développement durable, en particulier ses aspects économiques, environnementaux et sociaux.
Remis par Mme Pascale Grossmann, consultante en communication de la société BG Ingénieurs Conseils SA
Prix EXECAL — CHF 1’000.-
Robin Luginbühl – BA Design Industriel
Un prix décerné à un·e diplômé·e qui s’est distingué·e par la qualité de son mémoire de Bachelor.
Remis par Mme Yoo-Mi Steffen, secrétaire EXECAL.
Prix METAA — CHF 1'000.-
Tickie Bindner – BA Media & Interaction Design
Un prix décerné à un·e diplômé·e en Media & Interaction Design qui s'est distingué·e par une approche prospective et expérimentale lors de son travail de diplôme.
Remis par M. Lionel Tardy, membre du comité METAA, Media Experiments in Technology and Art Association
Prix Visarte Vaud — CHF 1'000.-
Mariana Isler – BA Arts Visuels
Un prix décerné à une diplômé·e en Arts Visuels qui s'est distingué·e par l'excellence de son travail.
Remis par Mme Patricia Glave, présidente de Visarte Vaud
Prix du Risque — CHF 1'000.-
Noemi Leneman – BA Arts Visuels
Un prix décerné à un·e diplômé·e particulièrement talentueux·euse dans le domaine des Arts Visuels.
Remis par M. Stéphane Kropf, responsable du Bachelor Arts Visuels
Prix Tremplin ECAL soutenu par la Fondation Leenaards — CHF 10'000.-
Norma Elzoghbi - MA Type Design
Juri Bizzotto - MA Arts Visuels
Le « Prix Tremplin » vise à faciliter le démarrage d’une carrière et aider à asseoir une pratique artistique professionnelle sur le long terme pour des artistes et/ou designers de talent. Il est destiné aux fraîchement diplômé·e·s de l’ECAL, et les soutient dans la mise en place d’un projet concret ou dans l’entrée dans la vie professionnelle.
Remis par Mme Catherine Othenin-Girard, présidente de la Commission Culturelle de la Fondation Leenaards
Bourses Nestlé-ECAL — CHF 10’000.-
Lana Soufeh – MA Type Design
Luis Rodriguez – MA Product Design
Deux bourses Nestlé de CHF 10'000. - chacune attribuée à des étudiant·e·s méritants de 2e année de MADP, MAP ou MATD qui se sont distingué·e·s par la recherche et la qualité de leur projet de diplôme, en particulier - mais pas exclusivement - en relation avec des thèmes d'actualité tels que l'innovation technologique ou sociale, la durabilité ou la santé.
Remises par Mme Aude Gandon, Nestlé Global Chief Marketing Officer
Prix De Bethune – CHF 6'000.-
Charitini Gkritzali – MAS in Design for Luxury & Craftsmanship
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e du Master of Advanced Studies in Design for Luxury & Craftsmanship pour la qualité de son travail.
Remis par M. Denis Flageollet, maître horloger et fondateur de la De Bethune
Prix La Foncière – CHF 3'000.-
Yumo Wu – MA Photographie
Un prix décerné par la Foncière, un fonds de placement immobilier, à un·e étudiant·e méritant·e pour le travail accompli durant l’année en Photographie.
Remis par M. Thomas Vonaesch, directeur à la Foncière
Prix d'excellence dans le domaine du design et des arts visuels de la HES-SO – CHF 2'500.-
Marcus Angerer – MA Design de produit
Un prix décerné à un·e étudiant·e de l'ECAL qui s’est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme.
Remis par M. René Graf, vice-recteur HES-SO
Prix BCV — CHF 2'000.-
Yohanna Rieckhoff – MA Design de Produit
Un prix decerné à un·e étudiant·e diplômé·e en Master qui s'est distingué·e par la qualité d'ensemble de son travail.
Remis par M. Camille Blin, Responsable du Master Design de Produit
Prix Profot – Équipement d’une valeur de CHF 2'000.-
Benjamin Freedman – MA Photographie
Un prix destiné à un·e étudiant·e diplômé·e en Bachelor Photographie qui a réalisé un excellent travail de diplôme.
Remis par M. Sandro Bizzarro, conseiller Digital Imaging chez Profot SA
Prix David Rust — CHF 1’000.-
André Teixeira da Silva – MA Type Design
Prix décerné à un·e diplômé·e· ayant réalisé un travail typographique remarquable. Le/la lauréat·e se voit offrir l'opportunité d'éditer un visuel qui servira à collecter des dons pour l'action Design against Cancer.
Remis par Mme Maude Rust, fondatrice et présidente de l'association in rust we trust*.
Prix EXECAL — CHF 1’000.-
Maxine Granzin – MA Design de produit
Un prix décerné à un·e diplômé·e qui s’est distingué·e par la qualité de son mémoire de Bachelor. Remis par Mme Yoo-Mi Steffen, secrétaire EXECAL
Bourses Fondation Casino Barrière de Montreux – CHF 8'000.- (Bachelor)
Viktor Gagné – 2e année BA Media & Interaction Design
Noé Vercaemst – 2e année BA Photographie
Deux bourses décernées à des étudiant·e·s sur le point d’accomplir leur année de diplôme. Le choix a été effectué en fonction de leur talent et de leur sens de la créativité. Remise par M. Jakob Hlasek, président de la Fondation Casino Barrière de Montreux.
Remis par M. Jakob Hlasek, président de la Fondation Casino Barrière de Montreux
Soma Summer Mexico 2022 – Résidence artistique d’un mois au Mexique d’une valeur de CHF 5'000.-
Oriane Emery – 1ère année MA Arts Visuels
Ana Francesca Bălan – 1ère année MA Arts Visuels
Prix décerné à deux étudiant·e·s en Arts Visuels, sélectionné·e·s pour une résidence artistique d'un mois au Mexique, à l'Hacienda Santa María Xalostoc, dans l'État de Tlaxcala.
Remis par Stéphanie Moisdon, Responsable du Master Arts Visuels
Bourse Fondation Walter + Eve Kent — CHF 5’000.- (BA)
Tom Grbic – 2e année BA Arts Visuels
Anna Kawahara – 2e année BA Arts Visuels
Deux bourses décernées à des étudiant·e·s particulièrement talentueux·euses dans le domaine de la peinture et de la sculpture.
Remis par M. Alexis Georgacopoulos, membre de la Fondation Walter + Eve Kent
Bourse Fondation Walter + Eve Kent — CHF 5’000.- (MA)
Felice Berny-Tarente – 1re année MA Arts Visuels
Lorenzo De Bellis – 1re année MA Arts Visuels
Deux bourses décernées à des étudiant·e·s particulièrement talentueux·euses dans le domaine de la peinture et de la sculpture.
Remis par M. Alexis Georgacopoulos, membre de la Fondation Walter + Eve Kent
Prix de la Ville de Renens — Exposition à La Ferme de Tilleuls à Renens + CHF 2'000.- (MA)
Gabriela Jaime – 1ère année MA Type Design
Prix d’encouragement décerné à deux étudiant·e·s qui se sont distingué·e·s par la qualité de leur travail et exposition commune à la Ferme des Tilleuls à Renens en décembre 2023. Remis par Mm. Nathalie Jaccard, Conseillère municipale à la Ville de Renens
Prix de la Ville de Renens — Exposition à La Ferme de Tilleuls à Renens + CHF 2'000.- (BA)
Till Seegräber – 2e année BA Design Industriel
Prix d’encouragement décerné à deux étudiant·e·s qui se sont distingué·e·s par la qualité de leur travail et exposition commune à la Ferme des Tilleuls à Renens en décembre 2023. Remis par Mm. Nathalie Jaccard, Conseillère municipale à la Ville de Renens
Prix du Festival international du film francophone de Namur (FIFF Namur) — Participation au jury Emile Cantillon (BA)
Hervé Ossent – 2e année BA Cinéma
Un prix décerné à un·e étudiant·e de 2e année qui s’est distingué·e par la qualité de sa réflexion théorique.
Remis par Mme Rachel Noël, adjointe pédagogique du Bachelor Cinéma
Prix Jacqueline Veuve — CHF 1'000.- (BA)
Camille Anker – 2e année BA Cinéma
Un prix décerné à un·e étudiant·e en cinéma qui s'est distingué·e au cours de l'année par la qualité de ses réalisations ou de son travail technique. Ce prix rend hommage à Jacqueline Veuve, grande documentariste suisse décédée en 2013. Remis par Mme Adèle Beaulieu, assistante Bachelor Cinéma
Prix de l’Année Propédeutique — CHF 500.-
Félicie Morel – Option Arts Visuels
Un prix décerné à une étudiante de l’Année Propédeutique de l’ECAL qui s'est distinguée par l'excellence de ses résultats. Remis par M. David Monnet, Responsable de l’Année Propédeutique
Gwendoline Albasini
Tony Altermatt
Matteo Angelé
Marcus Angerer
Inès Aznar
Nathanaël Baby
Marcello Balzaretti
Elena Baranowski
Adryan Barrilliet
Dominique Bartels
Noam Benatar
Edouard Bérard
Alicia Berclaz
Adrien Beroud
Coline Besson
Tickie Bindner
Alix Bitz
Juri Bizzotto
Ekaterina Bliznyuk
Gina Bolle
Jule Bols
Agathe Bourrée
Jessy Bueno
César Cadène
Luana Cardinaux
Julien Caulet
Ali Chatila
Noa Chevalley
Morgane Chiron
Minyeol Cho
Ilaria Citti
Marine Col
Simon Colliard
Mattia Cook
Remo Corazza
Elina Crespi
Léo Crespin
Mattia Dagani Rio
Matteo Dal Lago
Sara De Brito Faustino
Yann Difford
Paul Nouvelhomme
Salomé Dotter
Jessica Dreier
Ilan Dubi
Charlotte Dubois
Sacha Dufour
Fanny Dunning
Hugo Duport
Norma Elzoghbi
Jade Eymann
Yann Fankhauser
Fleur Federica Chiarito
Pablo Felley
Diego Fellmann
Feng Juan Jun
Benjamin Freedman
Sofia Fresey Angelopoulou
Antony Gallay
Sebastiano Gallizia
Alexis Gargaloni
Valerie Geissbühler
Eloïse Genoud
Guillaume Gindrat
Charitini Gkritzali
Aniket Godbole
Vera Gonzalez Ponce
Pruthviraj Ghosh
Sophia Götz
Giulia Goy
Maxine Granzin
Clément Grimm
Tianchang Gu
Aude Gunzinger
Laura Hagmann
Mathilde Hansen
Niklas Herrmann
Jay Holdener
Nicolas Honegger
Lucas Hosteing
Lucie Houel
Heein Im
Mariana Isler
Laeticia Jakob
Hugo Jauffret
Ianka Jean-Marie
Moritz Jekat
Minjong Kim
Amandine Kuhlmann
Kiyong Lee
Yoonjae Lee
Noemi Leneman
Checkie Ieong
Leoni Limbach
Sam Lombardo
Ambre Louineau
Ulises Lozano
Arthur Lucchesi
Nolan Lucidi
Robin Luginbühl
Claudia Mangone
Gabriela Marciniak
Alexandre Margueron
Axel Mattart
Antonin Maudry
Lirjeta Maxhuni
Inès Mermoud
Julie Meyer
Aude Meyer de Stadelhofen
Rémi Molleyres
Victor Montour
Alice Moor
Margherita Motta
Paula Mühlena
Lylou Müller
Hyeseung Nam
Bogdan Nastase
Aleksandra Nazarova
Thomas Neyroud
Naomi Nguyen
Cedric Oder
Sven Odermatt
Romain Oederlin
Fumi Omori
Rémi Opalinski
Ella Paleni
Bruno Pauli Caldas
Simon Pellegrini
Ignacio Pérez
Annick Persechini
Shkelqim Qestaj
Marco Renna
Marjolaine Rey
Yohanna Rieckhoff
Benoît Rochat
Luis Rodriguez
Cristina Rodríguez Solé
Louis Roh
Lily Rose Hold
Carla Rossi
Tessa Roy
Sebastien Rück
Aramis Rüdisühli
Léonie Sammons
Laeticia Schwendi
Johannes Seibel
Alexandra Sensi
Ilù Seydoux
Shania Soares
Donghwan Song
Lana Soufeh
Clara Sipf
Samuel Spreyz
Paul Sturm
Anaïs Sulmoni
Rongyi Tang
André Teixeira da Silva
Luísa Tormenta
Chiara Torterolo
Ambre Tuttle
Gaétan Uldry
Tara Ulmann
Lou-Anna Ulloa del Rio
Mykolas Valantinas
János Hunor Vári
Luca Vernieri
Louis Victorin Michel
Alice Villars
Florentina Walser
Yuji Wang
Noah Watzlawick
Jeanne Weber
Ysé Willemin
Céline Witzke
Yumo Wu
Julie Wuhrmann
Shan Yu Kuan
Niki Zaal
Michelle Zadio Villarroel